ТЕОРИЯ И ПРАКТИКА ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

Один из значимых для АРТ-центра проектов был создан весной 2020 года и стал интересной формой презентации современного искусства. В коллективную выставку вошли работы 30 авторов из разных регионов страны. Список городов, где проживают участники выставки, достаточно широк: Новосибирск, Москва, Санкт-Петербург, Краноярск, Омск, Томск, Салехард, Ярославль. Проект реализовывался опытной командой кураторов «Красного». В качестве привлеченного эксперта выступила Алёна Залуцкая.

Любая современная выставка может рассматриваться как коммуникативное пространство, точка пересечения социальной, образовательной, научной, культурной жизни общества, а также как инструмент, формирующий «явление синестезии при восприятии современного искусства зрителем» [2, с. 10].

Над проектом «Лед» участники работали почти год. Идея выставки была предложена новосибирским скульптором, членом Союза художников России Алёной Залуцкой. По её инициативе понятие «льда» и связанных с ним устойчивых ассоциаций стало ключевым для выставки, где изначально была предусмотрена подача единой темы в разных материалах, что обусловило ее синтетическое звучание. К участию в выставке были привлечены живописцы, графики, скульпторы, концептуалисты и мастера прикладного искусства. Все они получили приглашение в проект с широкими творческими задачами, сформулированными одним из кураторов выставки Евгенией Сучковой: «Проект является своеобразным исследованием восприятия темы "Человек и природа", известной оппозиции понятий cultura – natura. В основе размышлений постулат: "специфические экологические факторы формируют конкретные культурные особенности", которые развиваются в результате адаптации к местной окружающей среде. В этом контексте "Лёд" понимается как некий код, объединяющее многие культуры понятие. Художникам мы предлагаем рассмотреть "Лёд" как творческий объект, наполненный множеством смыслов. Лёд как изменяющееся состояние, которое может пролить свет на философские вопросы и раскрыть человеческое бытие. <…> Это разговор о том, как среда формирует нас, разговор о том, как человек преодолевает природные условия, разговор о том, как художник черпает вдохновение в красоте природы. Про то, как холодное и белое может стать тёплым и красочным».¹

Ограничение накладывалось лишь на использование темы северных народов и этнических мотивов, несмотря на возможность более широкой трактовки предмета, важен был сам лёд как главная смыслообразующая субстанция.

Преимущество отдавалось работам, созданным специально для проекта, но каждый участник имел право предложить собранную из ранее выполненных работ единую историю, вписанную в общую канву выставки. В некоторых заявках присутствовала текстовая составляющая, важная для осмысления представленного материала.

«Когда первый осенний мороз покрывает льдом лужи, я вспоминаю о родном доме, одиноко расположившемся посреди огромной степи и овеваемом со всех сторон холодными ветрами. Степь от края и до края застилает тонкий слой снега, который не совсем защищает почву. Февральские жестокие метели, словно волны, пронизывают всю степь снежными всполохами – извивающимися змеями. Зима для меня – длинная ночь и огромное холодное тёмное небо, от вида которого замирает сердце и становится страшно. Я намерен создать три картины, в которых отразятся все мои ощущения (визуальные, тактильные, эмоциональные), возникшие от такой длинной и суровой сибирской зимы. Это картины-размышления об одиночестве и предчувствии чего-то неведомого, порождённого промозглым холодом. Мой проект – о прозрачном, кристально чистом льде, сквозь который можно увидеть движущуюся воду в реке, камни и мелких обитателей этой стихии. Ведь жизнь подо льдом продолжается!» – писал о своем проекте молодой новосибирский живописец Вячеслав Чимитов.

Александр Суриков из Красноярска визуализировал суть инсталляции «Ледяное побоище» графически, так же, как и новосибирская арт-группа Bertollo, создавшая проект «Место всеобщего веселья и постоянного праздника. Инсталляция о мечтах и реальности».

Новосибирский график Елена Третьякова включилась в проект в момент, когда в её жизни наступило «отсутствие льда»: «Предложение принять участие в проекте "Лёд"- пришло ко мне, когда я изнывала от солнца в Бухаре. Плывущий от жары воздух, отсутствие деревьев в Старом городе и узкая полоска тени, которая покроет лишь кошку, идущую вдоль стены и чуть не задевающую ее короткошёрстным боком. Ближе к стене – шире тень. А для человека это покрытие лишь на одно плечо. И вода, которая всегда теплая, а холодна она лишь в первые минуты, когда только из холодильника. Слово "лёд" прозвучало как что-то невероятное и существующее лишь в каком-то параллельном мире. А зайдя вечером в кафе, чтобы выпить воды, жгущей холодом, я всего-то попросила воды со льдом. Но узбекский мальчик извинился и вежливо сказал: "Извините, льда нет"».

«Ледовый апофеоз» – пространство со звуками, красками, видеопроекциями, скульптурами, цветом льда.

Появились первые персонажи выставки – белый лось иллюстратора Игоря Олейникова, который путешествовал по покрытым льдом просторам сибирской тайги, две деревянные скульптуры томской мастерской «АБ», глиняные персонажи новосибирской художницы Марины Глебовой. Их дополнили портреты «Зимних женщин» Евгении Шадриной-Шестаковой и созданные Еленой Третьяковой утрированные образы первооткрывателей Южного полюса: «На проекте "Лёд" я представляю две работы – "Руаль Амундсен" и "Роберт Скотт". Оба полярных исследователя представлены в момент своего достижения Южного полюса Земли. Амундсен (Норвегия) в этой гонке приходит победителем, Роберт Скотт (Великобритания), пришедший месяцем позже, испытал самое горькое разочарование, увидев ещё издалека норвежский флаг, оставленный гордым норвежцем. На обратном пути домой Роберт Скотт погибнет вместе со всей командой. Домой вернётся лишь его "Дневник полярного капитана" с прощальными письмами родным».

Элементом игры являлась входная арка, задрапированная шуршащими серебряными лентами зеркальной пленки. До неё зритель видел только стенды с перечислением участников проекта и графическую работу Дениса Реца «Мы лёд», собирающую воедино всех участников выставки, сплавляющую их в общий коллектив единомышленников. С «Малым таёжным окунем» Олега Антуха и Сергея Бычкова, лосем Игоря Олейникова и персонажами новосибирского графика Алексея Мохова зритель сталкивался сразу после входа. Деревянная скульптура гигантской рыбы притягивала и огорошивала входящих. Серия иллюстраций Игоря Олейникова к книге Мей Цзихан «Голос снежного дня» до выставки «Лёд» в России не публиковалась и не демонстрировалась. Графические работы Алексея Мохова вдохнули в холодный мир выставки волну позитива: промёрзший и заледеневший автобус – «Декабрь. Какая там остановка» – вёз куда-то обладательницу вязаной шапочки с помпоном, а рядом «Март. Магеллан» предсказывал скорое таяние льдин.

Некоторой антитезой визуально понятных образов явились керамические объекты Алены Залуцкой, блок абстрактной графики Геннадия Арбатского и работа Дамира Муратова «Molotov Snowball (Снежок Молотова)». На свободное пространство стены проецировался видеоарт Александра Краснова. Один из залов стал полем чистого эксперимента. Инсталляции Александра Сурикова и Елены и Андрея Бертолло, концептуальные работы Сергея Баранова, стеклянная скульптура Вадима Кирилюка «Форма воды», арт-объект Павла Ионичева и Ольги Таировой «Ice-object», насыщенный цветом триптих Вячеслава Чимитова и бионические скульптуры Алёны Залуцкой «Ice – I» и «Ice – II» требовали глубокого переосмысления, зрительской работы, выводя зрителей из колеи визуально понятного и конвенционного искусства. Здесь же экспонировалась работа Татьяны Макаровой «Сколько лет прошло? Столько же, сколько и зим», пожалуй, единственная, не имевшая прямых ассоциаций со льдом. Длинный объект из трёх полос прошитой бумаги, с вкраплением фотографий, рукописного текста из чьей-то переписки, упаковочной бумаги и картона, завершался расположенной на полу стрелкой, указывающей некий маршрут, осмыслить который зрителю предлагалось самому.


Проведя эту внутреннюю работу или сопротивляясь ей, зритель открывал для себя подсвеченный светодиодами «полярный» портал Николая Дрозденко, провожающий его в следующую часть экспозиции. Серия женских портретов, выполненная Евгенией Шадриной-Шестаковой, открывала тему льда в человеческой душе. «Вот лёд. Он не сухой и не мокрый, пока не прикоснёшься к нему. Ледяной – обжигает руки. Ничего с ним не сделать, только разбить, пока сам не исчез. Абсолютно невозможная вещь – лёд. И люди в снегу. Зимние люди. Естественно рисовать зимних людей, если часто их видишь», – говорит художница.

Рядом с серией – монотипия-триптих Зоси Леутиной «Теперь просто человек», рассказывающая о том, что происходит, когда любившие друг друга люди расходятся.

Всё это на фоне ледяных карандашных пейзажей участницы из Омска Анастасии Гуровой с большими плоскостями льда в черно-белых графических листах и темперных работ Вероники Резинкиной, изображающих заледеневшие окна деревянных домов.

В общем контексте холодных людей и холодной природы зрителя притягивала к себе большая деревянная «Маска» Олега Антуха и Сергея Бычкова, ставшая зримым воплощением заледеневшего времени и пространства.

Визуально дополняли зал две скульптуры – подсвеченная специальным световым столом «Форма воды 2» Вадима Кирилюка и графично-лаконичная «ZIMA» кузнечной мастерской Елены и Олега Архиповых. В голубых отсветах входного портала и светового стола представали работы керамиста из Новосибирска Алены Синюты как попытка перевести ледяные мотивы в тёплый и связанный с обжигом мир глины.

Последний зал погружал в мир абстракции: в масштабных живописных полотнах и пастелях Евгений Заремба и Ольга Кошелева предлагали свои интерпретации льда как цвета, света и объёма. Тут же экспонировалась керамика Елены Красновой (Красноярск) и Марины Глебовой (Новосибирск). Каждый художник по-своему подошел к тематике льда.

В фантасмагорическом керамическом мире Марины Глебовой привычные предметы были искажены, превращены в сюрреалистический северный сон странных персонажей, среди которых обитают белый песец и человекопингвин, спит большая голова и неведомые зверьки в маленьких керамических домиках. Над этим царством сна бредут, замерзая и превращаясь в лёд, полярные капитаны Елены Третьяковой.

В керамике Елены Красновой сочетались грани абстрактного и концептуального. Причудливые ледовые краски и очертания острова Ольхона поддерживали живопись Евгения Зарембы, где в абстрактном и фактурном цветном силуэте угадывались природные очертания различных форм льда. В объекте «Мечта и реальность» было проявлено возвращение к вполне человеческому – желанию обладать лёгкими, красивыми и стремительными фигурными коньками.

Металлические скульптуры Елены и Олега Архиповых также работали на концепцию зала. Даже названия работ – «По кромке / льда/», «Край /Обледенение/», «Взаперти» – позволяли взглянуть на лёд как на метафору опасного и хрупкого состояния, в том числе человеческой души.

Эстетичная серия пастелей Ольги Кошелевой «Береговая линия» была наполнена сложными, ускользающими смыслами, где угадывались натура и ландшафт, неузнаваемо и декоративно преображённые художницей.

Двумя важнейшими факторами при формировании выставки явились образовательный контент и дизайнерское решение выставочного пространства, которое должно было объединить внутреннее пространство галереи с наружным.

Максимально широко трактуя тему льда, авторы проекта хотели создать на выставке среду, которая помогала бы осознать, что у данного явления есть физические, географические, культурные коннотации, каждая из которых учитывалась в составлении экспозиции. Благодаря партнёрству проекта с библиотекой им. М. И. Цветаевой (г. Новосибирск), зрители разного возраста могли прочесть энциклопедические тексты о воде и льде, воспоминания Папанина об экспедиции к Северному полюсу. Образовательный контент выставки был подобран физиком по образованию и путешественником по духу Николаем Дрозденко. Его материалы, размещённые на пилонах, рассказывали о физических и культурных аспектах льда. Третий «портал», сооружённый в месте перехода из третьего в четвёртый зал, давал возможность посетителю уединиться и посмотреть на экране большого телевизора документальные фильмы о полярных исследователях и многочисленные видеосъёмки айсбергов и льдов, выполненные современными путешественниками.

Дизайнерское решение выставки разрабатывалось совместно кураторской командой АРТ-центра, Алёной Залуцкой, Николаем Дрозденко и дизайнерами Павлом Ионичевым и Ольгой Таировой.

Техническая реализация осуществлялась преимущественно Алёной Залуцкой, Николаем Дрозденко и Алексеем Моховым.

На улице перед входом было установлено подсвеченное название «Лёд», выполненное из льда, внутреннее пространство галереи было перепланировано посредством установки входных порталов. Все это позволило разграничить зоны зрительских впечатлений, внести в пространство выставки игровую внезапность, побуждающую отнестись к просмотру как синтезу праздника (яркая подсветка, ледовые скульптуры, светящиеся арт-объекты), путешествия (погружение в неизвестное, переход из одной локации в другую, как в современном квесте) и познавательного процесса, в котором одновременно задействованы традиционное и современное искусство.

Общий итог ожиданиям организаторов подвела Алёна Залуцкая формулировкой: «Главная задача и сложность проекта – совместить между собой столь разных авторов. Кто-то в решении темы идёт от материала, кто-то от идеи. В результате получается весёлое разнообразие, которое наверняка не оставит зрителя равнодушным. Кому-то окажется близким прямолинейный реализм. Кто-то воспримет концептуальную трактовку».

Выставка вызвала живую реакцию арт-критиков, анализирующих проект, и это явилось показателем того, что цели организаторов и кураторов были достигнуты: «Пространство галереи "Красный " – это широкий коридор, разделённый дверным проёмом, и ответвляющиеся от него два зала. Все эти сложные объемы залов использованы под экспозицию, где-то это смотрится удач - но, в каких-то местах неоправданно, но факт – кураторы и художники поработали с пространством. И это ценно, так как нечасто в сибирских музеях и галереях можно увидеть специально продуманную экспозицию под временную выставку», – описывает экспозицию Лукия Мурина из Томска [1]. Позже своим восприятием выставки поделилась Ирка Солза: «Может быть, вся выставка и была некоей спортивной площадкой или катком, где мы, зрители, исполняли акробатические номера, используя произведения искусства как снаряды? Или кабинетом, где наше тело подвергалось процедурам под внимательным, но холодным взглядом врача? Целью этих телесных упражнений должно было быть превращение в лëд: ты поскальзываешься, падаешь и замерзаешь, но, умерев, сам становишься частью безликой и неуязвимой субстанции» [3].

Объектом критики стало «молчание кураторов», не ставших объяснять свой выбор или комментировать принципы отбора. Ожидание кураторской интерпретации идеи и результатов ее воплощения вполне понят - но. Вместе с тем в ситуации постпостмодернизма, когда любое авторство сомнительно, а мир всё чаще состоит из цитат, право голоса на выставочном проекте принадлежит не только художнику, но и зрителю. Куратор же присутствует, скорее, как игротехник, монтирует выставку, как бы помещая зрителя в игровое пространство и предлагая ему со - блюдать условия предложенной игры. Благодаря творческой команде проекта «Лед» зритель получил возможность собственной интерпретации и поиска «любимых» экспонатов выставки.

предыдущий этап масштабной выставочной деятельности в городе был завершен такими выставочными проектами, как серия выставок по теме неоархаики «След» (автор идеи А. Суслов, С. Лазарев, 2000–2007). Все последующее время городское профессиональное сообщество копило силу творческих инициатив, активно принимая участие в проектах других регионов и последовательно поддерживая внутреннюю художественную жизнь в городе. Реализация Новокузнецким отделением Союза художников России межрегиональной выставки «Сибирь-XII» совпала с празднованием 400-летия со дня основания города, став одним из крупнейших событий в культурной программе юбилейного года. Выставка стала открытием для заинтересованного зрителя, представив для новокузнечан крупнейший за все время смотр сибирского искусства современности.

Значение межрегиональной выставки «Сибирь-XII» на фоне сдержанного интереса горожан к художественным событиям стало грандиозным, чему поспособствовала интрига в организации информационных и рекламных каналов проекта. В течении 2017 года интерес к выставке подпитывался выставочным проектом «Сибирь. Регионы» (автор идеи Е. Чепис) в Городском выставочном зале Дома творческих союзов. Реализация этого проекта позволила постоянной зрительной аудитории подготовиться к восприятию всего среза сибирского искусства за последние пять лет. С этого момента актуальность любой художественной выставки как культурного, социального и светского события значительно возросла, как и возросли критерии к профессиональному качеству экспозиций, представленных городским художественным сообществом. В городе началась активная просветительская деятельность, сопровождающая любой выставочный проект. Новое понимание выставки как события расширило ее потенциал, обогатило просветительскую программу.

В рамках экспозиции «Сибирь–XII» родились многие идеи для последующих выставочных проектов СЦСИ. Работа над организацией выставки, оценка потенциала сибирских художников, профессиональный уровень и разнообразие авторских техник, индивидуальный интерес зрителей – все это послужило опорой для будущей стратегии выставочной деятельности в городе. Для новокузнецкого зрителя многие произведения экспозиций «Сибирь–XII» стали открытием в сфере изобразительного искусства. В первую очередь это коснулось «чисто сибирской» темы в искусстве, коренной мифологии Сибири и границ мастерства в ее воплощении. Один из примеров – творчество в области декоративного искусства, представленное гобеленами Алимы Цырендоржиевой (Улан-Удэ) по эскизам Аллы Цибиковой, рано ушедшей из жизни. Изящные ассоциативные композиции пейзажей бурятских степей провозглашали первенство природных сил перед человеком в тонкой работе гобеленов из конского волоса ручного ткачества.

зрителем задачу получить целостное представление о состоянии профессионального сибирского искусства с позиций уровня профессионального исполнения, что для большинства зрителей сложно. Именно поэтому одной из первостепенных задач нового СЦСИ стал постепенный ввод «в курс дела» новой аудитории, зародившейся от проекта «Сибирь–XII». Обозначилась цель – воспитать чувственного и проницательного к современному искусству зрителя.

Сибирский центр современного искусства в Новокузнецке – идея, получившая реализацию на платформе выставочной компании «Кузбасская ярмарка». Методы его развития и те задачи, которые решаются Центром, отличны от привычных СЦСИ в других городах, что ясно прочитывается в реализуемых проектах. Первым масштабным проектом СЦСИ стала межрегиональная художественная выставка «ФОРМА» в августе 2019 года. Выставка представила новокузнецкому зрителю образцы профессионального изобразительного искусства со всей страны. В сравнении с первым опытом работы – с межрегиональной выставкой «Сибирь–XII» – в проекте расширились не только географические рамки, но и стратегия выставочной деятельности. Опыт проведения выставки «Сибирь–XII» показал неподготовленность местного зрителя к восприятию не только современных актуальных и мультимедийных форм искусства, но и современных традиционных концептуальных видов. Исходя из этого, был разработан план постепенного погружения в мир современного искусства, нацеленный на выполнение двух стратеги - чески важных линий успешного функционирования СЦСИ. Во-первых, корректно и последовательно привести зрителя к пониманию различных форм изобразительного искусства. Во-вторых, решить задачу реабилитации традиционных концептуальных форм изобразительного искусства в глазах современного зрителя.

Кураторский отбор на проект «ФОРМА» ориентировался только на профессиональное изобразительное искусство в видах станковой живописи, графики и скульптуры. «ФОРМА» стала своего рода ответной реакцией на прошедшую межрегиональную выставку, которая проявилась в более тщательном отборе произведений в экспозицию. Среди всех участников Межрегиональной художественной выставки «Сибирь–XII» в новом проекте была представлена малая доля сибирских художников. Также было от - ведено значительное внимание внешнесобытийному уровню выставки, который начал свою реализацию задолго до представления экспозиции зрителю: был организован лекторий с приглашенными и местными спикерами, а также ряд персональных и групповых художественных выставок.

Своеобразным видом превью, а также первой презентацией СЦСИ стала Межрегиональная художественная выставка «Ро - дина Сибирь» (организована Региональным отделением Урала, Сибири и Дальнего Востока Российской академии художеств в г. Красноярске, дополнена и показана в Новокузнецке). В тематической экспозиции выставки для кураторов появились новые потенциальные имена, а для зрителя – новые границы понимания искусства и способов его восприятия. Пусть сибирский пейзаж, представленный на выставке, – интуитивно понятная и близкая местному зрителю тема, но возникла необходимость рассмотреть общий эмоционально-оценочный уровень аудитории. Представленный жанр открылся доступным к прочтению зрителем в раз - личной степени. Акварельные пейзажи новокузнецкого художника, куратора СЦСИ Александра Суслова предстали перед зрителем неоднозначно. Эти пейзажи конкретны и не нуждаются в домыслах, но таят в себе эмоциональный собирательный образ. Валерьян Сергин (Красноярск) в своих пейзажах гораздо яснее, его живописные обобщения зритель может домыслить. Александр Жуков (Новосибирск) увел свои пейзажи к еще большей ассоциативности, позволяя зрителю прийти к еще более свободной интерпретации. Самыми абстрагированными от конкретики стали пейзажи Евгения Зарембы (Новосибирск), где ощущается материальность пространства, но в ходе экспериментальной работы над образом претерпевают серьезные трансформации.

Ни для кого не секрет, что желание контролировать уровень трансляции и качества художественной экспозиции не всегда бывает доступным для многих выставочных учреждений, особенно государственных. В этом плане автономность новокузнецкого СЦСИ представляет собой отличную возможность и в плане установки собственных критериев отбора и качества, и в плане установления границ цензуры, и многих других аспектов. Таким стал межрегиональный художественный проект «ФОРМА» – первая ступень в актуализации российского современного искусства на площадке новокузнецкого СЦСИ. В рамках проекта были представлены такие традиционные виды изобразительного искусства, как живопись, графика и скульптура в концептуальном современном звучании.

Несмотря на сторонние критические отзывы по отношению к станковым формам в современном искусстве, выставка «ФОРМА» убедительно отстаивала актуальность живописи, графики и скульптуры. Актуальные формы искусства стоит воспринимать с позиций возможности ответить призывам современности, а значит с позиций не только формотворческого эксперимента, но в совокупности с содержанием произведения искусства. Стоит отметить, что многие сибирские авторы, занимающие стабильные позиции в современном искусстве, – станковисты, и об этом не стоит забывать. Серьезным аспектом также сыграло понимание возможностей местной публики в восприятии и интерпретации, пока еще не способной в короткий срок освоить весь потенциал современного искусства.

С позиции современности живопись, графика и скульптура сохраняют свою актуальность, обращаясь к проблематике нового времени. В экспозиции выставки «ФОРМА» просматривается множество тематический линий, определяющих особенности современного искусства. Редкий в станковом искусстве принцип иронии и провокации сохраняет ряд авторов, поднимая вопросы социальных отношений и трансформации традиций в новое качество. Примитивные формы и экспрессия в сюжетах саркастического характера представлены Ильей Бутусовым и Владимиром Погребняком (Владивосток). Пермский проект Михаила Павлюкевича и Ольги Субботиной «Медведь на память» стал примером трансформации традиций и знаков локальной идентичности. Суровые метафоры на сентиментальные чувства отразил Евгений Титов (Чита) в произведении «Рабочий класс. Притяжение» (2012).

Сложными для восприятия остаются не - многочисленные сюжетные композиции. Например, метафорические высказывания Георгия Елфимова (Калининград) в графической серии «Созидание» (1990–1991): зрителю открывается последовательное развитие сюжета о строительстве дома как метафоры духовного саморазвития. «Процесс, лежащий на поверхностном уровне зрительского восприятия, при более детальном и вдумчивом анализе осознается как символ человека, созидающего свой внутренний мир. И этот ежедневный труд благословен» [1, с. 85]. Такие новые формы проявления библейской темы в светском искусстве как раз в 1990-е годы стали одним из аспектов решения важной проблемы того времени – «проблемы бессмысленности вне религиозного существования» [2, с. 57]. Метафоры новокузнецкого живописца Виталия Карманова (1947–2007) в диптихе «Из глубин» (1992) представляют грузные тотемные образы во тьме как скрытую аллегорию тяжести тоталитарного режима. Часто искусство становится площадкой для собственного мифотворчества, способом воплощения придуманной реальности. Например, в живописи Ярославы Хмель (Новокузнецк) тяготение к прекрасному и возвышенному образу становится способом избежать темы, связанной с настоящей действительностью. Противоположное отношение в живописи встречается в творчестве Елены Бобровой (Омск) и Екатерины Чепис (Новокузнецк), где реальность – основа для преобразовательной деятельности, для поиска максимальной выразительности через мощный контраст, крупный формат, экспрессивность форм и ассоциаций.

Новые формы антропоцентризма, изучения человеческой сущности и ее проявлений отражаются в творческих поисках многих авторов: психотипы в цветных литографиях Валерия Гошко (Москва), характер в пластике Всеволода Майорова (Томск), в композициях Рината Миннебаева (Уфа). Остается актуальной и тема архаических кодов, определяющих новую интерпретацию локальной мифологии и идентичности, – тема неоархаики, раскрытая еще в 1990-е годы. В каждом из регионов сохраняются свои представители данной темы: в Томске – Сергей Лазарев, в Новокузнецке – Александр Суслов, в Красноярске – Сергей Ануфриев. Однако для Уфы тема неоархаики представляет со - бой доминирующий пласт. Например, в полуабстрактных композициях в уникальных линогравюрах Гульназ и Азамата Гилязетди - новых, где архаический текст превращается в декоративные композиции из ломаного геометрического ритма с тонкими эстетическими образами-знаками. В лучших проявлениях экспрессионизма была представлена живопись Айрата Терегулова («Уснувший всадник», 2017).

Если первый выставочный проект СЦСИ «ФОРМА» представил зрителю лучшие современные образцы профессионального станкового искусства, то последний реализованный проект «Эмали России» стал обращением к новым формам воплощения техники горячей эмали. Проект «Эмали России» проходил в статусе всероссийской выставки и представил собой крупнейшую выставку горячей эмали в стране. Масштаб выставки оправдал глобальность ее наполнения – три сотни произведений профессиональных эмальеров представили технику горячей эмали в новом, современном качестве.

На сегодняшний день в технике горячей эмали создаются станковые произведения, содержание которых не уступает актуальным темам современного искусства. Сложные сюжетные композиции, большие темы и метафорические искания отвечают запросам современности. Портрет в произведениях эмальера Анны Сохач (Ростов-на-Дону) – это собирательный этнический женский образ, который композиционно развивается по подобию иконописного образа. Но та выразительность, которой обладает техника эмали в своем блеске, кракелюрах, фактурной кинетике, придают образу большее ощущение возвышенности. Библейскую тему в горячей эмали уникальным образом раскрывает в своем творчестве Иван Дьяков (Санкт-Петербург). Новой экспериментальной площадкой представлены возможности эмали в смешанных техниках. В произведениях Анвара Багаутдинова (Санкт-Петербург) – это формы сочетания горячей эмали на меди с деревом и росписью, с латунью и лазерным гравированием. Вся степень эстетизма, утонченности и элитарности техники проявились в концептуальных произведениях Анастасии Александровой (Санкт-Петербург).

Можно сказать, что сегодня новокузнецкий СЦСИ находится еще на стадии становления и утверждения себя на площадке искусства Сибири. Его деятельность в творческий сезон событийна в переходе от проекта к проекту, что вполне естественно при таком крупном формате реализуемых выставок. Этим он отличается от других Центров в Сибири – каждая новая масштабная экспозиция преобразует индустриальные павильоны выставочного комплекса «Кузбасская ярмарка» в свободные и просторные залы, способные принять в себя свыше тысячи произведений.

Прошедшие и грядущие проекты направлены на организацию стабильного функционирования Центра. Уже осенью 2020 года реализуется новый выставочный проект «ФОРМА 2.0. Декоративное искусство», который по своему содержанию и охвату спокойно претендует на статус всероссийской выставки. По сути, эта выставка является логическим продолжением просветительского движения вперед, по пути презентации всех видов искусства в качестве новых современных звучаний. С каждым новым проектом формируется коллекция Центра как залог на создание постоянных экспозиций.

Каждый новый проект реализуется при грантовой поддержке, что позволяет развивать его содержание. Программа проекта «ФОРМА 2.0» стала уникальной за счет проведения на базе СЦСИ Всероссийского симпозиума по горячей эмали (август 2020). Участие в нем приняли 22 участника из разных городов России, среди которых как про - фессиональные эмальеры, так и художники, ранее не работавшие в этой технике. Такое беспрецедентное событие уже говорит о грядущих планах Центра – о накоплении техно - логической базы и творческой лаборатории для создания произведений здесь и сейчас. Вполне естественно, что само понимание вопроса «Каким должен быть Центр современного искусства?» у организаторов гораздо шире: Центр – это не просто выставочное пространство. Одна из главных целей – создать СЦСИ не только в качестве транслятора современной ситуации в искусстве, но и как опору для ее изменений.

Ближайшие проекты новокузнецкого СЦСИ также направлены как на последовательное приобщение зрителя, так и на притяжение профессиональных авторов к сотрудничеству. Однако здесь стоит сохранять интригу. В настоящее время можно смело от - метить, что СЦСИ по своим возможностям обладает одними из крупнейших выставочных площадей в стране. Но, несмотря на значительный рост интереса к искусству, на положительный рост качества художественной жизни города, перед Центром и профессиональным сообществом города все еще остается ряд проблем, который требует решения – начиная с восполнения профессионально - го сообщества новыми кадрами и заканчивая процессом активного включения Центра в маршруты событийного культурно-познавательного туризма в Сибири.

В концепции развития Государственного областного художественного музея «Либеров-центр», в его 25-летней деятельности приоритетными остаются проекты с участием художников, работающих в технике пастели.

Юбилей народного художника, члена-корреспондента Российской академии художеств А. Н. Либерова и проведение Всероссийской художественной выставки «Пастель России» в 2011 году наглядно подтвердили возрождающийся интерес к искусству пастели и её дальнейшему развитию в современный период. Несомненно, творчество пейзажиста А. Н. Либерова (рис. 2) и его владение сложной и грациозной техникой пастели остаются непревзойдённой профессиональной, духовной и нравственной величиной, ориентиром истинной красоты в искусстве для многих поколений художников.

Пастель использовалась А. Н. Либеровым в ежедневной практике и многочисленных творческих поездках. «Со временем появилось свое отношение к этой технике, выработались свои приемы. У меня отношение к пастели, как у живописца, хотя технику эту относят к графической», – вспоминал А. Н. Либеров [1, с. 14]. Аристократичную технику художник сумел подчинить не только выполнению лирико-эпических пейзажей, но и социально значимых проектов. Неслучайно за серию «Нефть Сибири» А. Н. Либеров был удостоен в 1980 году Государственной премии имени И. Е. Репина.

В фондах музея находятся произведения учеников и последователей А. Н. Либерова, выполненные в технике пастели: В. Л. Долгушина, А. С. Макарова, М. И. Разумова, В. П. Белоусова, В. Н. Белана, И. И. Желиостова, Г. С. Катилло-Ратмирова, В. М. Сидорова, С. Н. Патрахина, В. А.Десятова и др.

Одним из ярких учеников А. Н. Либерова в Сибирском регионе стал художник Владимир Леонидович Долгушин (1943–2015). С конца 1970-х годов молодой график, уже получивший всесоюзную известность, всё чаще от разнообразных графических техник (акварель, сепия, линогравюра), излюбленных суровостильных тематических литографий обращается к технике пастели. Позднее завоёвывает славу даровитого сибирского мастера. Собрание музея «Либеров-центр» включает лучшие произведения автора, выполненные в этой технике.

В 1990-е годы художник много времени проводит в красивейшем месте Омского Севера – окрестностях села Кондратьева Муромцевского района. Здесь он создает многочисленные пейзажи, жанровые композиции, отличающиеся монументальностью, сдержанной цветовой гаммой, точно раскрывающие эпическое и лирическое мироощущение художника.

В деревенской тематике Владимир Долгушин нашел свою лирическую художественно-образную линию. Всё в этом мире – люди и природа – существует естественно и органично. В работах «Снег выпал. Кондратьево» (1979), «Соседка» (1997), «Одинокая гармонь» (2000, рис. 1), «Зимка» (2005), «Светлый день» (2005), «Улица механизаторов» (2008) художнику удалось передать дух сибирской деревни, её жизненный уклад, поэзию её неспешного ритма, а также неизмеримое уважение к сельской женщине.

Владимир Долгушин стал певцом сибирского зимнего пейзажа, он пишет зимы тихие, полные снега, мягкие по своей воздушности, гармонично вписывает в композиции человека. Серию пейзажных работ отличает поразительная жизненная убедительность, которая оставляет у зрителя ощущение причастности к сибирскому миру природы.

Природные впечатления художник выкладывает на лист бумаги большими цветовыми пятнами, по которым сверху штрихами карандаша лессировками накладывается другой цвет. Таким образом, стираются резкие границы между фоном и изображаемыми предметами. Пастельные приемы позволяют автору выявить характер пейзажа и его настроения. Останавливая мгновения, художник заставляет зрителя пережить щемящее чувство вечерних закатов, ощутить свежесть предрассветного утра, лёгшего на поля тумана. Техника пастели, её богатая палитра позволяют Михаилу Разумову выразить цветом тончайшие оттенки света. Художник смог придать большую мягкость и воздушность пейзажным изображениям.

Работы Михаила Разумова – образец «понимания мотива», в котором он видит большое лирическое содержание в самом обыденном уголке природы. Он полон «музыкального», «эмоционального» содержания. В этом он близок работам своего учителя А. Н. Либерова.

Совершенное владение графическим рисунком Георгия Сергеевича Катилло-Ратмирова определило широкое поле в искусстве графики, в том числе технике пастели. Серия путевых натурных зарисовок 1980–1890-х гг. –«Дорога в Татрах» (2005), «Манинская теснина. Словакия» (2005), «Ночной Эрфурт» (1989, рис. 4), «Вечерний Эрфурт» (1989), «Дрезден» (1989), «Рождество на улице Цюриха» (2010) и др. – отличается особой экспрессией и красочностью. Городские пейзажи – это, по сути, небольшие фрагменты европейских улочек, наполненных ароматом истории. Художник, изображая натуру в вечернем сумеречном освещении, бегло пастельными карандашами и мелками выявляет архитектонику сооружений – шпили и объёмы соборов, черепичные крыши домов в ритмичном нагромождении.

Серия работ «В мастерской» (1970–1990-е гг.) «Мокрый пол», «Сирень на палитре», «Маленькая ночная серенада», «Сирень для Венеры», «Поздний ужин», «31 декабря» и др. приоткрывает будничный мир художника. Уютно расположились в интерьере мастерской атрибуты искусства: холсты, мольберты, драпировки, букеты цветов. Предметная среда создаёт особую атмосферу, загадочность. Падающим теням присуще мягкое свечение, поскольку они вбирают в себя отражённые цвета окружающего пространства. Предметы композиции даны быстрыми крупными штрихами чистых цветов – красного, белого, синего, желтого. Художник умело выстраивает цветовое равновесие изображения. Отдельные цвета достигаются оптическим смешением слоев. Поверх тёмного нижнего слоя Катилло-Ратмиров наносит цветную штриховку, передавая тем самым изменчивое сплетение цветовых рефлексов. Работая свободными, быстрыми движениями мелких и крупных направлений штрихов, пастелист оставляет просветы белой бумаги, создавая тем самым ощущение движения света. При этом пастель не теряет своего мерцания. Всплески яркого цвета здесь контрастируют с более тёмным фоном, придавая изображению особую выразительность.

Ученик А. Н. Либерова Сергей Николаевич Патрахин работает предпочтительно в технике темперы. Периодически обращается и к технике пастели. Привитые педагогом навыки работы пастельными мелками неизбежно проявляются и в произведениях художника. Первые листы пастели появляются в начале 1990-х годов после поездки на творческую дачу «Байкал». От формальных поисков, экспериментов серии «Небо и камни Ольхона» (1991) он переходит к натурным этюдам и пейзажам чистой природы: «Последнее дерево» (1987), «Зимний вечер» (1991), «Движение» (1994), «Свет» (1994), «Утренний дуэт» (2004), «К весне» (2005), «Прогулка» (2006), «Разлив на Иртыше» (2010, рис. 5) и др., отличающимся поэзией, лиричностью и воздушностью. В них особенно заметна либеровская живописная культура письма «пейзажа-настроения. Сила воздействия которых зависит от степени прочувствования и опоэтизации художником натуры» [3, с. 5].

Среди наиболее последовательно работающих в технике пастели с конца 1990-х и в 2000-е годы в городе Омске выделяются авторы, члены Союза художников России: В. М. Сидоров, Р. В. Нуриев, В. П. Белоусов. Музейный проект «Связующая нить» (2016) позволил соединить в одном пространстве художников, в творчестве которых прослеживается преемственность лучших традиций реалистического искусства, богатство и выразительность художественного языка пастели, разнообразие технических приемов. В тематическом и жанровом диапазоне художников – жизнь сибирской природы, городской пейзаж, портреты современников. В основу творчества пастелистов ложатся пленэрные завоевания, импрессионистические поиски. Этому способствуют многочисленные поездки в открытое пространство отдалённых районов Омского Прииртышья и сибирских городов: Тобольска, Ханты-Мансийска, Салехарда и др.

Основываясь на принципах реалистического искусства, Виктор Александрович Десятов в течение многих лет работает в технике пастели. Искусство А. Н. Либерова, несомненно, оказало влияние и на его творчество. Мотивы окружающей сибирской природы 1990–2000-х гг. в её величии и первозданности, архитектурные памятники и деревенские избы находят отражение в многочисленных листах. Выявляя графические свойства пастели (рисунок автора отличается особенной техничностью, проработкой деталей), художник создаёт серию работ, выделяющихся композиционной выстроенностью, повышенной звучностью цвета.

Обращение к уникальной технике пастели Александра Геннадьевича Шафеева обусловлено памятью об учителе А. Н. Либерове. Творчество этого художника, отличающееся живописно-пластическим многообразием, цветовой экспрессией, хорошо знакомо омскому зрителю. Прикосновение к широкой и богатой палитре пастельных мелков позволило сложившемуся живописцу с особой силой раскрыть тончайшее понимание цвета, его эмоциональной выразительности, что показала персональная выставка «Рапсодия пастели» (2017). Пастель используется художником чаще всего в пленэрных путешествиях. В мотивах деревенской природы, композициях, натюрмортах живописцу удаётся достичь лирического состояния, найти нюансы для тончайшего отображения оттенков света, большой мягкости и воздушности в передаче натуры.

Свой диалог с пастелью активно ведёт с 2000-х годов художник Людмила Ивановна Белозёрова. Пленэрные поездки по Горному Алтаю, Уралу, Забайкалью, Омской области послужили поводом для обращения к графической технике. Проект «Край потухших вулканов» (2018) включал серию работ, выполненных художником в результате творческой поездки по красивейшим удалённым местам Бурятии. Работа с натуры позволила выполнить множество этюдов, которые выросли в серию красочных крупноформатных произведений. Новизна, звучность цвета, неординарность композиционного видения отличают цикл работ Людмилы Белозёровой (рис. 6). Постигая законы пленэрной натурной живописи, она способна запечатлеть сияние летнего дня, горячие блики и холодные тени, ослепительные лучи и холодноватые звонкие рефлексы. Художник умело облекает их в монументально-декоративные формы лирико-романтического звучания. Поиск цветового и формального решения приводит к наполненности и убедительности.

Пространственные построения заведомо отвергают иллюзорную глубину. Крупные красочные пятна и плоскости минимально взаимодействуют друг с другом, выражают саму сущность цвета, возвышая его до символического звучания.

Масляная пастель с интенсивностью её красок, богатством выразительных средств и лёгкостью исполнения стала с конца 1990-х годов одной из любимых техник художника – ученика А.Н. Либерова Сергея Павловича Кочергина. Персональные выставки художника «Радужный дождь» и «Ретроспектива» (2016, 2019) убеждают в том, что пастельная живопись с ее пастозной жирной структурой может сравниться с масляной.

Как правило, автор создаёт целые серии графических листов: «Стихи», «Песня Севера», «Города, где я не был», «Цветы», «Стога» и др., в которых отражаются темы природы и окружающей среды, жизни человека и быстротечности времени.

Идея величия земного пространства воплощается в монументальном лаконичном решении, широком, панорамном охвате при - родных массивов высоких гор, неба и полно - водных рек. Одинокие фигурки людей в этом большом мире усиливают впечатление протяжённости и бесконечности (рис. 7). Автор ведёт свой диалог, размышляя о божественном начале, человеческих взаимоотношениях, чувствах преданности, разочарования и потерянной любви. В условных и стилизованных изображениях, символических образах, в цветовой экспрессии и импровизации раскрывается внутренний мир художника.

От переживаний внутренних Сергей Кочергин переходит к наблюдению внешнего, будничного и узнаваемого в лицах прохожих, знакомых, друзей. Этот мир пронизан тонкой иронией, гротеском, человеческой теплотой. Стремление к отражению гармонии между человеком и окружающим миром остаётся основополагающим принципом в творческих поисках художника.

Музейный проект «Современная омская пастель» (2019) объединил омских художников, активно работающих в технике пастели. В экспозицию вошли произведения Людмилы Белозёровой, Ольги Кошелевой, Елены Бобровой, Ольги Кадиковой, Сергея Патрахина, Александра Шафеева, Натальи Леоновой и др. Выставка наглядно убеждает, что в основе творческого метода многих мастеров лежит изучение натуры в открытом пространстве. Окружающая природа сибирских мест, удалённые горные ландшафты, побережье Крыма и Балканского полуострова предстают в великолепии формы и цвета. Многочисленные путешествия художников по Сибири и стране дают большой материал для создания отдельных композиций и циклов работ. Авторы профессионально передают в пастелях особую неповторимость и жизненность, эстетику предметной среды. Трансформировав эту технику в самое раскрепощённое средство художественного выражения, живописцы и графики умело подчиняют её своим творческим задачам.

В последние годы обращает на себя внимание творчество современных художников Ольги Кадиковой и Елены Бобровой, разрабатывающих свою стилистику в технике пастели. Мир пейзажа в произведениях Ольги Кадиковой раскрывается в широком охвате пространства, монументальном величии заснеженных горных склонов Памира и Тянь-Шаня в Киргизии, Алтая и Кавказа, Узбекистана и Казахстана, Гималаев. Авторские этюды, выполненные пастелью не - посредственно в горных местах, передают восторг первого впечатления от природы, рождаются экспромтом. Творческий материал, в котором запечатлены скалистые громады, высокое чистое небо, неизменно переходит в создание типа обобщённого величественного пейзажа. Живописец фиксирует натуру в характерном её проявлении, улавливает переходные состояния освещения, передаёт богатство цветовой среды. В композициях много воздуха и света. Автор усиливает эпическое звучание посредством лаконичных решений, контрастом цветовых отношений, ритмом рисунка и экспрессией образов.

пространством, создавать атмосферу, выражать эмоции и представлять иллюзию реальности (рис. 9). Обладая метафизическим зрением, автор переводит реальный мир в призрачную атмосферу, изысканную цветовую экспрессивную композицию.

Современные авторы всё чаще обращаются к созданию эффектных декоративных работ в технике пастели. Молодой автор Наталья Леонова работает в декоративно-экспрессивном стиле. Для своих цветочных и анималистических композиций художник выбирает чёрную бумагу, которая является прекрасным фоном для картины, написанной яркой пастелью. Изображение животных автор помещает в цветовую предметную и живую среду. Тщательно прорабатывая каждый фрагмент изображения, автор, тем не менее, не уходит в натурализм и не утрачивает цельности композиции.

С 2013 года музей проводит межрегиональный выставочный проект-конкурс «Молодые пастелисты Сибири», который уже завоевал популярность среди молодёжи и студентов. В юбилейном для музея 2019 году выставка состоялась в седьмой раз. За истекший период в проекте приняли участие художники из сибирских городов: Красноярска, Екатеринбурга, Кемерово, Новокузнецка и др. Интерес к проекту также проявляют художники из других регионов страны. Среди участников много студентов вузов и колледжей – Красноярского государственного художественного института, Омского государственного педагогического университета, Уральской государственной архитектурно-художественной академии (Екатеринбург), Сыктывкарского государственного университета, Кемеровского областного художественного колледжа и др.

Академическая школа, являющаяся фундаментом художественного образования, демонстрирует высокий уровень творческой подготовки молодых в технике пастели. Поставленные задачи выставки-конкурса – выявление и поддержка новых дарований, развитие творческих способностей у молодёжи, интерес к творческому наследию А.Н. Либерова и формирование пейзажного мышления у начинающих художников – дают свои результаты. Появляются новые имена: Лелякина Мария, Заремба Полина (Омск), Максимова Марина, Олейник Кристина, Щибря Ольга (Красноярск), Сидорова Дарина (Великий Новгород), Поповская Инга, Сердитова Татьяна (Сыктывкар) и другие, за которыми пристально наблюдают сотрудники музея.