ХРОНИКА

Материалы рубрики посвящены наиболее значительным состоявшимся и готовящимся художественным проектам, выставкам, научным конференциям в регионах
DOI 10.24412/cl-35763-2020-5-118-125
УДК 7.036/74

Полуднева Евгения Игоревна – научный сотрудник научного отдела Приморской государственной картинной галереи.

E-mail: e.poludneva@mail.ru
МЕЖРЕГИОНАЛЬНАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ВЫСТАВКА «ФОРМА 2.0. ДЕКОРАТИВНОЕ ИСКУССТВО»
Декоративное искусство Дальнего Востока
В статье даётся обзор одного из разделов Межрегиональной художественной выставки «ФОРМА 2.0. Декоративное искусство» (г. Новокузнецк), посвящённого современному декоративно-прикладному искусству Дальнего Востока. Рассматривается видовое, сюжетное, жанровое и техническое разнообразие представленных произведений. Определены основные особенности, отличающие современное декоративное искусство Дальневосточного региона: обращение к традиционным промыслам и их переосмысление, неразрывная связь с жизнью региона, стремление к станковизму.

Ключевые слова: искусство Дальнего Востока; декоративное искусство; межрегиональная выставка; косторезное искусство; керамика; фарфор; текстиль; «ФОРМА».
Межрегиональный художественный проект «ФОРМА», созданный под патронажем Регинального отделения Урала, Сибири и Дальнего Востока РАХ и Союза художников России, впервые был реализован в 2019 году в рамках открытия Сибирского центра современного искусства «ФОРМА» в Новокузнецке.

В 2020 году организаторы проекта озвучили довольно амбициозную задачу: серией больших межрегиональных выставок собрать в одном выставочном пространстве ведущих современных художников и мастеров декоративно-прикладного искусства Урала, Сибири и Дальнего Востока, объединив силы трёх крупнейших регионов страны [2, с. 159] и показав значимость современных художественных процессов, проходящих в этих регионах.

Радует, что, благодаря таким крупномасштабным проектам, декоративно-прикладное искусство и народные промыслы не остаются на периферии художественной сцены, а получают поддержку и привлекают интерес специалистов и зрителей.
С самого основания деятельность центра современного искусства «Форма» мыслилась гораздо шире, чем проведение межрегиональных выставок. В планах организаторов проекта – строительство художественных мастерских, проведение международных симпозиумов и конференций, создание просветительского журнала. В этой ситуации панорамное видение необходимо. Подобные выставочные проекты, объединяющие несколько крупных областей, представляют собой серьезный срез современной художественной жизни и демонстрируют «уровень творческих сил, спектр авторских исканий и тематический диапазон» [3, с. 10].

Декоративно-прикладное искусство определяет художественные особенности региона ещё более ярко. В отличие от произведений станковых форм – живописи, графики и скульптуры, куда автор вкладывает те или иные смыслы в большей степени сознательно, декоративное искусство и произведения народных промыслов как бы подспудно вбирают в себя смыслы и идеалы, которые транслирует мастер как носитель определённой художественной традиции и некоего культурного кода той области, в которой он живёт. Поэтому подобные проекты ничуть не менее значимы, нежели те, что посвящены искусству, традиционно определявшемуся как «высокое» в европейской культуре.

Дальневосточный регион на выставке «ФОРМА 2.0. Декоративное искусство» представили Улан-Удэ (Бурятия), Хабаровск и Комсомольск-на-Амуре (Хабаровский край), Якутск (Якутия), Владивосток, Находка и Партизанск (Приморский край).

Не удивительно, что декоративное искусство крупнейшего региона страны отличается большим сюжетным и жанровым, техническим и видовым разнообразием. В экспозицию вошли изделия из металла, кости, дерева и кожи, керамика, фарфор, текстиль, батик, эмали, произведения ювелирного искусства. Их отличают высокий художественный и технический уровень, богатая творческая фантазия мастера, сочетание традиций и новаторства, осмысление и интерпретация элементов национальной культуры, а также обращение к проблемам современного общества, что довольно нехарактерно для данного раздела изобразительного искусства.

В последнее десятилетие косторезный промысел в России переживает подъем, о чём свидетельствуют результаты Международного фестиваля косторезного искусства, в 2019 году прошедшего в Магадане уже во второй раз. Исследователи выделяют два основных направления в современной резьбе по кости: с одной стороны – стремление возродить и сохранить традиции конкретной местности и школы, с другой – поиск индивидуальной манеры и жажда творческой свободы [4, с. 6], а также обогащение традиций, накопленных столетиями, новыми техниками и содержанием [5, с. 132].

Эти тенденции демонстрируют и произведения косторезного искусства, представленные мастерами из Якутии и Бурятии: В. Н. Амыдаевым, А. А. Винокуровым, В. И. Капустиным, К. М. Мамонтовым, Ф. И. Марковым, Г. Н. Родионовым, М. Н. Слепцовым, Бато-Мунко Чимитовым. Резьба по кости животных является одной из наиболее интересных и богатых художественных традиций этих регионов, отражающих непростые, но уважительные отношения человека и природы. Специфика этих отношений обусловлена древним культом шаманизма и мифологической картиной мира.
Якутское косторезное искусство весьма синкретично: наряду с традициями резьбы по кости местных народов, оно впитало в себя традиции северорусской холмогорской резьбы, а в советское время, во многом благодаря творчеству Фёдора Маркова [5, с. 131], испытало влияние японской миниатюрной скульптуры нэцкэ и её позднего сувенирного варианта окимоно. Сегодня якутские мастера предпочитают круглую станковую скульптуру из бивня мамонта, рога оленя или лося, моржового клыка, достигнув в художественной обработке этих материалов высокого мастерства. Все они, так или иначе, в своём творчестве обращаются к кругу тем, связанных с бытом народов Севера, с их традиционным жизненным укладом: мотивы рыбной ловли, охоты, оленеводства неизменно появляются в творчестве якутских мастеров. Также их привлекают анималистические сюжеты, посвящённые преимущественно северной фауне, и, конечно, сюжеты, связанные с культом шаманизма и мифологическими представлениями народов Севера.

Василий Амыдаев мастерски решает как небольшие статичные композиции («Рыбачок», «Подарок»), так и динамичные («Новый день», «Рыбак Колымы»). Он тщательно в мельчайших деталях прорабатывает поверхность, передавая фактуру волос, меха, рыбьей чешуи. Для его работ характерно равновесие натуралистичности и стилизации, без которого невозможно обойтись в миниатюрной скульптуре. Работы «Осень» и «Хозяева Тундры» мастер решает в виде барельефа и, исходя из формы материала, виртуозно вписывает в него композицию произведения.

Александр Винокуров в работах «Добыча», «Прогулка», «Охотник-чарканщик» предпочитает гладкость, лаконичность, обобщённость форм. Для современных косторезов зачастую характерно стремление к декоративности, сочетанию различных материалов и применению ювелирных техник. Иногда якутские мастера сочетают кость и дерево в станковой скульптуре («Осень» Василия Амыдаева, «Носорог» Георгия Родионова), используя дерево в качестве основания. Владимир Капустин сочетает бивень мамонта с деревом и поделочным камнем, использует ювелирную технику инкрустации для создания композиции «Горностай». Георгий Родионов также применяет элементы ювелирной техники в декоративной композиции «Колибри».

Фёдор Марков и Михаил Слепцов в своем творчестве часто обращаются к многофигурной композиции, используя в качестве подставки фрагмент оленьего рога. Этот тип композиции в якутском косторезном искусстве 1960–1970-х годов развивал известный мастер-косторез Семён Пестерев [5, с. 129]. Такой прием помогает передать динамику, движение, разворачивающееся на подставке, придаёт сюжету повествовательный стиль, как, например, в работах Фёдора Маркова «Наперекор всему», «Начало» и Михаила Слепцова «Летний день», «Невеста», «Юный пастух».

Косторезное искусство Бурятии представлено работами Бато-Мунко Чимитова из Улан-Удэ. В работах Чимитова заметно влияние буддизма и китайского искусства резьбы по слоновой кости. В декоративном блюде «Алан Гоа» и в создании ножен и рукояти бурятского национального ножа «Тэмээн» мастер использует технику орнаментальной сквозной резьбы в сочетании с реалистичными барельефными фигура - ми людей и верблюдов. Мастер с помощью тончайшей ювелирной гравировки, характерной для косторезного искусства стран Юго-Восточной Азии, передаёт элементы костюма, оружия и украшений героев. Работы «Сагаан Убэгэн (Белый старец)» и «Чингиз-Хан» созданы под влиянием буддийской скульптуры. Несмотря на миниатюрность, в них присутствуют спокойствие и монументальность, наряду с богатой декоративностью. В скульптуре «Чингиз-Хан» мастер тщательно прорабатывает фактуру всех элементов, использует орнаментальную гравировку в виде побегов растений, принизывающую витиеватым ритмом всю композицию. Бато-Мунко Чимитову блестяще удается как изображение людей, так и анималистические образы. В скульптуре «Зимние скачки» мастер великолепно передает динамику композиции, используя прием с подставкой из кости и дерева, умело сочетая гладкие лаконичные формы и выборочные элементы с тщательно проработанной фактурой (роскошная шерсть верблюда и меховая опушка в костюме наездника).

Наряду с косторезным искусством бурятские и якутские мастера издавна славятся традициями художественной обработки металлов. Произведения литой бронзовой скульптуры представили мастера из Бурятии: Е. А. Болсобоев, Б. Ц. Базаров, В. Д. Гатапов, Б. Д. Яндаков. Украшения и предметы обихода из кованого и литого серебра, бронзы, меди, латуни, мельхиора представили мастера из Якутии: Н. А. Васильев, Н. И. Ермолаева, Н. М. Пермякова, В. Соловьёва, А. О. Фёдорова.

Искусство, с одной стороны, является одним из лучших способов формирования и выражения национального самосознания народа, а с другой – ничто так не объединяет людей по всему миру и не способствует трансляции гуманистических ценностей. Подобный синкретизм характерен и для искусства современной Бурятии. Исторические корни народов Забайкалья восходят к культуре кочевых племён, перемещавшихся на огромной территории Центральной и Юго-Восточной Азии. По словам Т. А. Бороноевой, «и сейчас в ментальности бурят сохраняется чувство природного единства с живой бескрайней степью и необъятным небом над ней, с ее мифами и духами» [1, с. 161].

Один из бурятских мастеров, чьё творчество генетически связано с культурой кочевников, – скульптор и ювелирных дел мастер Баясхалан Базаров. В своём творчестве Базаров обращается к истории и мифологии древних монголов, воплощает фантазийные образы, навеянные древними легендами детей степи, в бронзовой литой пластике. В скульптуре «Гуа-Марал» мастер воплощает образ легендарной прародительницы монголов, от которой вёл свой род великий полководец Чингисхан. Это идеал женщины-воительницы, воспетый в бурятском и монгольском эпосе.

Евгений Болсобоев в технике бронзовой литой пластики создает анималистические образы с выразительными геометричными формами, навеянные скифским звериным стилем. К образу кочевника обращается и Валерий Гатапов в парной композиции «Гунны».

Якутию в этот раз представили преимущественно серебряных дел мастера предметами утилитарного назначения. Произведения Ньургуйааны Пермяковой, Никиты Васильева, Надежды Ермолаевой продолжают национальную традицию ювелирного дела. В художественном оформлении изделий мастера используют гравированные геометрические и растительные орнаментальные мотивы, чернение, сочетают металл с деревом и костью. Творчество Александры Фёдоровой более эклектично, в её работах можно встретить как традиционные старинные техники филиграни и перегородчатой эмали, инкрустации кабошонами (браслет «Айылђа уhуктуута»), так и тенденции современного ювелирного искусства с его стремлением к футуристичности и неправильным формам (гарнитур «Таас Бас»).

К якутской традиции праздничного убранства коня обращается Александр Манжурьев. Ритуальные маски для лошадей жениха и невесты изготовлены из кожи и украшены литыми и чеканными накладками из бронзы и латуни, а также бисерным шитьем.

Художник-ювелир из Владивостока Анастасия Буравлёва использует природные и анималистические мотивы, столь близкие любому жителю города у моря, в кольце «Гость маяка».

В целом произведения бронзовой литой пластики, ювелирного искусства региона демонстрируют высокий художественный и технический уровень авторов, поиск индивидуального стиля без отрыва от традиций регионального искусства.

Немногочисленно представлена скульптура из дерева произведениями А. А. Цыденова и Е. О. Найденовой. Анатолий Цыденов в скульптурах «Охотник» и «Воин-кочевник» обращается к национальным образам Бурятии, а Евгения Найденова в абстрактной композиции «Дух с Хмельницких щёк» отталкивается от природной формы и фактуры материала, создавая образ, близкий по духу дальневосточной тайге.
Произведения текстильного искусства представили мастерицы из Бурятии, Якутии, Владивостока и Партизанска: Э. Г. Буинова, Б. Дамбиева, А. С. Цырендоржиева, А. Н. Зверева, О. А. Рахлеева, М. П. Рехлясова, Н. Е. Федулова, В. В. Захаренко, Е. Ф. Шлык.

В Бурятии традиция гобеленного ткачества из конского волоса возродилась в 1970- х годах благодаря художницам Н. Дульбиновой, С. П. Ринчиновой, Т. Н. Тиминой [6, с. 130]. Сейчас эту традицию продолжают Баярма Домбиева, Алима Цирендоржиева, Надежда Федулова, представившие тканные вручную гобелены из конского волоса. В триптихе «Пейзаж» Цирендоржиевой, выполненном по эскизу Аллы Цибиковой, слились воедино традиции китайской средневековой живописи, образы русских сказок и дух кочевых народов евразийских степей.
А. С. Цырендоржиева. Пейзаж. Триптих. 2016. Эскиз А. О. Цыбиковой. Конский волос, гобеленная техника, ручное ткачество. 157×137 Собственность Александра Важенина
Современные якутские мастерицы также ткут гобелены и плетут циновки из конского волоса. Для их работ часто характерно ярусное построение и простой геометрический орнамент, как в циновках из конского волоса Марии Рехлясовой. Эту же тенденцию отражает и ковёр «Земля Анабар» Анны Зверевой, выполненный в смешанной технике. Художница в своей работе создает своего рода изобразительную модель мира народов Севера, а именно – анабарских долган, охотников и оленеводов.

Ольга Рахлеева также работает в гобеленной технике, но с более современными материалами – шерстяной пряжей, акрилом, джутом в сочетании с трафаретной печатью. Её гобелены больше походят на станковые произведения абстрактного искусства. Она использует сочетание вертикальных и горизонтальных линейных ритмов. Очень интересный пейзажный образ, близкий к абстракции, художница создаёт в гобелене «Тарын (Нетающий лёд)». Вертикальные ритмы первого плана создают ощущение гигантского монолитного ледяного массива, а ярусное построение композиции дальнего плана позволяет создать иллюзию бескрайнего пространства ледяной пустыни.

Художница из Находки Валентина Захаренко представила гобелен «Осенний этюд», выделяющийся среди остальных работ ярким, звучным, насыщенным цветовым аккордом.

Эржен Буинова работает в жанре текстильной аппликации, обращаясь к художественным приемам старинной буддийской живописи танка. Её персонажи – бурятские красавицы в национальных одеждах и героини бурятских легенд, как в произведении «Девушка-лебедь». Образ лебеди восходит к мифологическому сюжету о прародительнице хоринских бурят деве Шун Хубуун.

К технике буддийской танка обращается и Анатолий Цыденов в произведении «Традиции гостеприимства», выполненном гуашевыми и акварельными красками по грунтованной ткани.

И, наконец, Елена Шлык представила абстрактные композиции в технике аппликации из текстиля, кожи и предметов фурнитуры («Чёрный квадрат с изюминкой», «Танцовщик», «Осень»).
Изделия из керамики и фарфора демонстрируют разнообразие технических приемов, идей и художественных решений в творчестве дальневосточных керамистов: А. С. Дугаровой, К. Б. Гречанова, А. С. Гречановой, Т. А. Перепёлкиной, Ш. Ф. Шахназарова, Г. Г. Добрыниной, Е. А. Мельник, М. Н. Гуляевой, А. Н. Илларионовой. Тема пандемии столь глубоко затронула и изменила нашу жизнь, кардинально повлияв, в том числе, на художественную сферу, что это не могло не отразиться на творчестве современных художников. Альбина Гречанова осмысляет отношения с окружающим миром людей, столкнувшихся с новыми обстоятельствами, в композиции из двух глазурованных блюд «Covid-ная». Константин Гречанов и Тамара Перепёлкина представили керамические скульптуры и скульптурные композиции («Dirijopolis Grechanovis», «Поцелуй», «Рыбы зимой плывут»), демонстрирующие широкий спектр технических приемов, тщательную проработку фактуры поверхности, удивительные живописные эффекты, созданные с помощью цветных глазурей. Галина Добрынина и Екатерина Мельник черпают вдохновение в образах родного города («Свежий ветер», «Корабли», «Владивосток», «С добрым утром, Владик!»). Шахназар Шахназаров в декоративном панно «Букет» создает живописный образ, экспериментируя с сочетанием цветных глазурей и смальты. Мария Гуляева смело сочетает роспись эмалями и цветными глазурями в блюде из шамота «Северные мотивы», глину и эмаль – в подсвечнике «Якутская лошадь».
Аюша Илларионова представила серию образов якутских шаманок. Выразительный абрис фигур художница создает с помощью традиционных причесок в виде бараньих рогов. Александра Дугарова работает в старинной китайской, но ставшей традиционной для русского фарфорового искусства технике подглазурной росписи кобальтом. Художница пред - ставила серию блюд с живописными фантазийными преимущественно женскими образами, навеянными легендами Бурятии.

Эмальерное искусство уже давно вышло за рамки прикладного, и современные мастера, работающие с художественной эмалью, преимущественно создают станковые произведения в жанре натюрморта, работы с повествовательным сюжетом, абстракции, приближая своё искусство к своего рода живописи горячими эмалями. Эмальерное искусство Дальнего Востока представлено работами В. Ф. Бабурова, А. П. Номар, Е. А. Мельник, В. В. Леватаева, Е. О. Найденовой. Работы Владимира Бабурова «Натюрморт войны» и «Пантеон» полноправно можно назвать живописью эмалью на меди. Обращаясь к столь серьезной теме войны, с помощью, казалось бы, исключительно декоративной техники художник создает душераздирающий образ. Валерий Леватаев в работах «Бабушкины пуговицы», «Грозовое облако» и «Петербургские сны» также пишет горячими эмалями на меди. Анастасия Номар создает яркие натюрморты в фовистском стиле, построенные на сочетании крупных локальных цветовых пятен. А Екатерина Мельник в сюжетных композициях «С Рождеством» и «Шедевр в механике» экспериментирует с техникой перегородчатой эмали. Необычную декоративную композицию «Улов» из дерева, проволоки и горячей эмали на меди представила Евгения Найденова.

В завершение хотелось бы отметить украшения работы Елены Абрамовской и Натальи Намын. Елена Абрамовская работает в довольно необычном для региона стиле «Тиффани», используя популярную в эпоху модерна технику на стыке ювелирного и витражного искусства (броши «Коралловая ветка» и «Летящая»). Наталья Намын представила необычные украшения из серебряной глины в сочетании с плиссированной бумагой из серии «Калипсо».

В целом работы, представленные на выставку, говорят о том, что декоративно-прикладное искусство Дальнего Востока по-прежнему демонстрирует большой художественный и технический потенциал, бережное отношение к традиции, народным промыслам, издавна бытовавшим на территории региона, но при этом их творческое переосмысление и поиск новых художественных возможностей, неугасаемый интерес к жизни региона и его современным культурным реалиям, стремление к станковизму и использованию декоративных техник для создания живописного образа, бережное отношение к природной красоте материала и жажду экспериментов.
Литература
1. Бороноева, Т. А. Современное изобрази - тельное искусство Бурятии: поиск ментальных оснований художественной культуры // Общество. Среда. Развитие (Terra Humana). – Санкт-Петербург, 2010. – C. 160–166.
2. Высоцкая, Т. М. ФОРМА. Межрегиональный проект: Урал, Сибирь, Дальний Восток. Сибирский центр современного искусства. Новокузнецк. 21–23 августа 2019 // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – Красноярск, 2019. – № 1. – С. 159–163. 3. Зотова, О. И. XII Региональная художественная выставка «Дальний Восток» : вступ. статья // Дальний Восток: XII Региональная художественная выставка : каталог / Петропавловск-Камчатский, 14 сент. –14 окт. 2018. – Владивосток : Рубеж, 2018. – С. 10–23.
4. Зотова, О. И. Традиции и мастерство : вступ. статья // Косторезное искусство народов мира: II Международный фестиваль : каталог / Магадан, 25–30 окт. 2019. – Владивосток : Рубеж, 2019. – С. 6–11.
5. Иванова-Унарова, З. И. Косторезное искусство Якутии. Тенденции развития // Изобрази- тельное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – Красноярск, 2019. – № 1. – С. 123–133.
6. Санжиева, Е. Г. Творческое наследие художников и мастеров декоративно-прикладного искусства Бурятии 1960–1970-х гг. // Вестник Восточно-Сибирского государственного института культуры. – Улан-Удэ, 2018. – №3 (7). – С. 129–131.
THE INTERREGIONAL ART EXHIBITION "FORMA 2.0. DECORATIVE ART". DECORATIVE ART OF THE FAR EAST

Poludneva Evgenia Igorevna Researcher at the scientific department in the Primorye State Art Gallery.
Abstract: The article gives an overview of one section of the Interregional art exhibition "FORMA 2.0. Decorative art" (Novokuznetsk), which is devoted to the decorative and applied arts of the Russian Far East. The diversity of forms, genres, plots and techniques in the art of the region have been analyzed on the example of selected items. The main features which distinguish the contemporary decorative art of the Russian Far East have been determined, such as references to the traditional arts and crafts and their interpretation, the inseparable connection with the life of the region, the tendency to easel forms.

Keywords: art of the Russian Far East; decorative art; interregional exhibition; bone cutting art; ceramics; porcelain; textile; "FORMA".
Библиографическое описание для цитирования:
Полуднева Е.И. Межрегиональная художественная выставка "Форма 2.0. Декоративное искусство". Декоративное искусство Дальнего Востока. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 4 (5). – С. 118-127.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle5#rec276425297

Статья поступила в редакцию 29.10.2020
Received: October 29, 2020
Оцените статью
DOI 10.24412/cl-35763-2020-5-126-133
УДК 76, 004.928

Прошкина Ольга Алексеевна – кандидат искусствоведения, доцент факультета теории и истории искусств Московского государственного академического художественного института им. В.И. Сурикова при Российской академии художеств, главный специалист Регионального отделения Урала, Сибири и Дальнего Востока Российской академии художеств в г. Красноярске.

E-mail: olga-proshkina@ya.ru
РОЛЬ ЭСКИЗА В МУЛЬТИПЛИКАЦИИ. ВЫСТАВКА ХУДОЖНИКОВ АНИМАЦИОННОГО КИНО В ЕКАТЕРИНБУРГЕ.
Статья посвящена межрегиональной выставке анимационного кино «Роль эскиза в мультипликации», состоявшейся в ноябре 2020 года в Екатеринбурге в залах Свердловского отделения Союза художников России. Экспозиция стала частью большого проекта «Урал–Графо». На выставке были представлены рисованные эскизы к анимационным лентам, которые легли в основу реализованных мультфильмов или явились частью учебного процесса будущих художников-аниматоров. В экспозицию вошли работы художников из Москвы, Ярославля и Екатеринбурга, в их числе лауреат премии «Оскар» Александр Петров, представивший свои произведения к уже ставшими классикой мультфильмам, и его ученики. Также в выставку были включены работы известного мультипликатора Сергея Александровича Алимова (1938– 2019). Важной частью его деятельности в течении двадцати пяти лет была педагогическая работа во ВГИКе им. С.А. Герасимова: в экспозицию вошли графические произведения его учеников. В целом выставка явилась попыткой открыть зрителю специфику создания фильмов, обладающих абсолютной достоверностью, несмотря на условность экранной реальности.

Ключевые слова: анимация; эскиз; мультипликация; графика; межрегиональная выставка.
Современная российская анимация претерпела существенные изменения, что связано с внедрением компьютерных технологий в производственный процесс. «За последние десятилетия произошло взаимовлияние анимации и компьютерных технологий. Фактически, компьютерные технологии в анимационном творчестве представляют собой тонкий инструмент, бесценный ресурс для специалистов, без которого не обходится ни один современный фильм» [1, с. 70].

Возможность создания мультфильма при помощи компьютерных технологий доступна человеку без специального образования, даже ребенку, что не могло не сказаться на художественном уровне анимации, которая в избытке существует в Интернете. Как следствие, зритель привыкает к новой компьютерной эстетике. «Раньше анимации требовалось более гиперболизированное движение для убеждения зрителя в существовании персонажа. Теперь это становится менее актуальным, что связано с тем, что персонаж становится более "фотореалистичным" (с точки зрения освещения, объема, текстуры)» [1, с. 70].

Несмотря на экспансию компьютерных технологий, продолжают существовать рисованные эскизы к анимационным фильмам. Это поиски образов, пространственные решения кадра и неотъемлемая часть обучения на факультетах анимационного кино.

На данный момент полнометражные мультфильмы, которые выходят в широкий прокат, создаются при помощи компьютерной анимации. «В авторском и фестивальном анимационном кино доля двумерных фильмов превалирует. Чем же так привлекательна плоская анимация?

С. С. Айнутдинов. Кукурузинка и кот. Эскиз персонажей к анимационному фильму по мотивам сказки К. Лагунова «Городок на бугре». 2013. Бумага, шелкография. 50×38 Собственность автора
На данный момент полнометражные мультфильмы, которые выходят в широкий прокат, создаются при помощи компьютерной анимации. «В авторском и фестивальном анимационном кино доля двумерных фильмов превалирует. Чем же так привлекательна плоская анимация? Лаконичной выразительностью условного образа, знаковостью. Лаконичный знак воспринимается быстрее и вызывает острые субъективные ощущения и ассоциации. Поэтому все движения, позы и мимика условных персонажей двумерной мультипликации всегда предельно просты, но предельно выразительны. Если цель художественного произведения – максимально быстрая передача информации (как логической, так и эмоциональной), то использование плоского, знакового изображения решает эту задачу эффективнее» [4, с. 105]. Рисованный эскиз для анимационного фильма является полноценным графическим произведением, при этом его лаконичность и знаковость способствуют наполнению образов живым духом мультипликации.

Выставка художников анимационного кино в Екатеринбурге объединила мастеров из нескольких регионов. Свердловское отделение Союза художников России по инициативе председателя, графика и художника анимационных фильмов Сергея Сагитовича Айнутдинова не первый раз проводит подобные проекты на Урале. В 2011 году состоялась межрегиональная выставка художников театра и кино. Инициативу тогда поддержал председатель секции кино- и театрально-декорационного искусства Союза художников России С. А. Алимов.

Проект 2020 года отчасти стал выставкой памяти Сергея Александровича Алимова (1938–2019). В экспозиции представлены его произведения, работы его учеников и коллег из Ярославля и Екатеринбурга. Среди работ есть узнаваемые образы к уже вышедшим мультфильмам. Некоторые эскизы созданы как творческие работы и не будут иметь дальнейшего продолжения в законченной анимационной ленте.

Творчество крупных мастеров притягивает зрителей, коллег и учеников. Круг молодых художников формируется вокруг мастера и школы. Понимание эстетических и художественных ценностей появляется исключительно в среде, в пространстве поисков, находок, обсуждений, смотров и выставок. И этот процесс не может быть простым, линейным, предсказуемым – он создает почву для персонализации художника, для раскрытия индивидуальности в новом времени.

Искусство анимационного эскиза – довольно специфический жанр. Эти произведения, в большинстве случаев, графического искусства, которое в свою очередь тоже предъявляет требования к формату и логике изложения. Эскизы не являются разбивкой на кадры, однако содержат в себе и композицию кадра, и характеристику персонажей, и авторское прочтение стилистики всего фильма. Мультипликационные эскизы словно имеют развитие во времени: глядя на лист, зрители узнают момент и одновременно с этим понимают предысторию и развитие сюжета. Отчасти поэтому выставка художников-мультипликаторов – напряженное информационное поле, когда для более полного понимания от зрителя требуется знание сюжета произведений, некой предыстории кадра и при этом допущение возможности новой образной и пластической трактовки персонажей.

В память о С.А. Алимове хочется сказать несколько слов о его уникальной профессиональной деятельности. Творческая судьба Сергея Александровича была успешной и счастливой. В первую очередь зрителям он известен как художник-мультипликатор, который создал всеми любимые и узнаваемые образы: среди них Лев Бонифаций, Топтыжка и другие.

С. А. Алимов. Путешествие. Эскиз к анимацион - ному фильму «Каникулы Бонифация». 1965–1998. Бумага, гуашь. 30×50 Собственность семьи художника
Одна из первых работ С.А. Алимова в анимации – картина «Каникулы Бонифация» – принесла ему известность и признание коллег. Художник о своих первых творческих стремлениях писал: «Мультипликация связана с гротеском, изобразительной остротой. Она есть "рисование из головы", что меня всю жизнь очень привлекало; меньше интересовался штудировкой натуры… Это сейчас так говорят: пришел в мультипликацию и сделал революцию. Тогда нам хотелось убрать из этого искусства набившую оскомину фабричность» [3, с. 11]. Создание особого мира, условного и достоверного одновременно, – вот, пожалуй, то, что удавалось Сергею Александровичу, и то, что он смог передать свои ученикам.

На выставке представлены его эскизы к анимационному фильму по мотивам романа
М.А. Булгакова «Мастер и Маргарита» – это авторское прочтение темы к фильму, который не выходил на экраны. Эскизы не всегда становятся завершенной картиной, которую увидят зрители, и в этом они близки книжной иллюстрации. Роман «Мастер и Маргарита» полон глубоких смыслов, апеллирующих и к истории нашей страны, и к фантастичной катастрофичности.
В эскизе С.А. Алимова «Полет над городом» ощущается стихийное приближение неминуемой беды: крупные складки плащей, развевающихся и заслоняющих твердь, спокойный и торжествующий кот Бегемот в очках – несопоставимость динамики и статики вызывает чувства опасности и тревоги.

Также в экспозиции представлены шелкографии С.А. Алимова к поэме Н. Гоголя «Мертвые души». Работы утверждают талант художника как иллюстратора, рационального, подмечающего емкие детали, которые расставляют смысловые акценты и передают точные характеристики. Композиции иллюстраций безупречны в своей лаконичности, соотношении глубины черного и ритма штриха. В 2013 году в издательстве «Вита Нова» вышло подарочное издание поэмы «Мертвые души» Н.В. Гоголя с иллюстрациями Сергея Алимова.

Особое место в деятельности С.А. Алимова занимала его педагогическая работа во ВГИКе, где он на протяжении двадцати пяти лет готовил художников анимационного кино. Среди участников выставки – его ученики, состоявшиеся мастера, которые, отталкиваясь от среды педагога, вышли в свое творческое пространство.

Обучение будущих мультипликаторов – сложный процесс, который заключается не только в умении рисовать и строить композицию. Ф. С. Хитрук писал: «Если уж искать аналогию, то по своим задачам и по месту в творческом процессе мультипликатор ближе всего к профессии актера. Разница лишь в том, что он играет не сам, а с помощью рисунка» [4, с. 77].

Сергей Александрович Алимов научил своих студентов создавать художественный образ, который уверенно живет в условной реальности анимационного фильма.

Так, одна из его учениц, Юлия Вяткина, представила на выставке эскизы к анимационному фильму по роману И.А. Гончарова «Обломов». Здесь присутствует ощущение целостности кадра, крепости композиционного решения и мультипликационной пластичности, своеобразного авторского прочтения. После окончания вуза художница продолжила работать в анимации. В июне 2020 года на 60-м Международном фестивале анимационных фильмов в Анси (Франция) среди участников от России был представлен мультфильм, в создании которого Ю. Вяткина принимала участие.

Международные фестивали являются важными площадками, формирующими новую профессиональную среду и выявляющими основные тенденции и поиски современных авторов. Одна из участниц выставки, Александра Павлова, вошла в группу аниматоров, создавших под руководством А. Хржановского полнометражный мультипликационный фильм «Нос, или Заговор "не таких"» по опере Д. Шостаковича. В 2020 году на Международном Роттердамском кинофестивале прошла мировая премьера этого мультфильма. На выставке в Екатеринбурге А. Павлова показала эскизы 2013 года к «Евгению Онегину».

Концепция выставки не имеет ограничений по времени создания произведений, поэтому на ней представлены работы Ирины Гавриловой «Мэри Поппинс» 1997 года и эскизы Сергея Гаврилова «Посмертные записки Пиквикского клуба» 2007 года, соответствующие времени обучения во ВГИКе у С.А. Алимова. Повествовательное описание с яркими характерными персонажами делают образы узнаваемыми и понятными. Яркие образы английской литературы привлекают внимание в работах Натальи Успенской к «Оливеру Твисту». Елизавета Новикова представила ученические эскизы 2011 года, где она иллюстрирует Хармса: тени перекраивают пространство, выхватывая крупные фрагменты.
Мультипликация позволяет наполнять визуальные образы новым пространством, которое само оказывается важной художественной категорией. Значение пространства в эскизе может стать одним из первостепенных. Сопоставления фона и фигуры в пространственной бездне характерно для работ Екатерины Гавриловой в эскизе к фильму «Ностальгия Улисса», выход которого планируется в 2020 году. Наполненность смыслами, внутреннее напряжение персонажей на грани деформации обнажает сущностный скелет образов в ее эскизах к анимационному фильму «Легенды о докторе Фаусте».

Пространство становится частью художественного решения в произведениях Олеси Габрильян по мотивам книги Л. Соловьева «Повесть о Ходже Насреддине», где оно словно впускает восточное настроение в работу, а цветовые решения усиливают особенности освещения южного солнца.

Олег Добровольский в эскизах к мультфильму «Моби Дик, или Кит» создает целые сцены, напряженные, апеллирующие к мощи манускриптов. Соотношение графичности силуэтов и плоскости водной глади создают почти ощутимое противостояние. Художник учился во ВГИКе в мастерской Анатолия Владимировича Кузнецова (1937–2010), хорошего друга и коллеги С.А. Алимова. Сейчас О.Д. Добровольский занимается преподавательской деятельностью.
Некоторые из учеников Сергея Александровича также помимо творчества занимаются педагогической работой: так, Валерий Кожин преподавал во ВГИКе. Он нашел свой авторский стиль еще в студенческие годы: пластика мультипликационных персонажей смотрится завершенной и лаконичной, он не боится быть парадоксальным, усиливать смысловые акценты. На выставке представлены эскизы к мультфильму «Сон Садовника» по произведениям Л. Кэрролла, который вышел в 2013 году и участвовал в конкурсной программе Открытого российского фестиваля анимационного кино в Суздале 2014 года.

Полина Новикова обратилась к сказке «Маленький принц» А. Экзюпери. Это очень непростой образ, потому как всем известны иллюстрации самого автора. Она не отказывается от них, а скорее усиливает динамику всего кадра, вносит смысловые акценты за счет открытого пространства, соотношения величин.

Валерия Султанмуратова представила монохромное решение в эскизах к произведению М.А. Булгакова «Роковые яйца», которые отличаются некой повествовательной эпичностью.

Деликатная работа с цветом в эскизах Руслана Гаврилова, мягкость тональных решений утверждают демонические образы Э. Гофмана, усиливая напряжение искажением форм и пространства. Метафоричны образы Натальи Газеми: особая пластика фигур и певучесть линий создают стремительные динамичные диагонали, раскрывая внутреннюю силу.

Сергей Сагитович Айнутдинов представил на выставке эскизы к мультфильму «Городок на бугре», выполненные в технике шелкографии. Авторский штрих, соотношение более темных и светлых линий формируют калейдоскоп проявленных форм.

С 1993 по 2012 год мастер вел курс художников анимационного кино в Свердловском художественном училище им. И.Д. Шадра. На выставке представлены работы художниц, прошедших обучение в училище под его руководством: Н. Грофпель, Н. Добрыниной, Е. Лапшиной, М. Цукерман. Наталья Грофпель представила в экспозиции эскизы 2020 года к мультфильму «Большой и Маленький». Совместно с С.С. Айнутдиновым она работала над дипломным проектом – анимационным фильмом «Ну вот еще!» для студии «Пилот». Сейчас она обучается на режиссерском факультете ВГИКа. Елена Лапшина в эскизах смело экспериментирует с формами, деформирует предметы, персонажей и само пространство. Марина Цукерман после обучения в Свердловском художественном училище поступила во ВГИК в мастерскую С.А. Алимова. В эскизах к роману М. Булгакова «Роковые яйца» художница передает ощущение времени, дух эпохи. Ей удались и гофмановские образы в работах над мультфильмом «Крошка Цахес»: деликатность цветового решения позволяет персонажам словно материализовываться из сказочного пространства, удерживая напряжение и парадоксальность ситуации.

С.С. Айнутдинов совместно со своей ученицей Надеждой Добрыниной в 2020 году завершил работу над анимационным фильмом «Валенки Бажова» для студии анимации «Инновационного культурного центра» Свердловской области. На выставке находятся эскизы Н. Добрыниной к этому фильму.

Из Екатеринбурга художница Людмила Скотникова представила лаконичное решение эскизов к анимационному фильму «Свинг»: в произведениях ощущается интенсивная работа цвета, несколько упрощенная форма.
Кроме того, в экспозиции представлены работы Александра Константиновича Петрова, удивительного и тонкого художника анимационного кино, получившего премию «Оскар» в 2000 году за мультипликационный фильм «Старик и море». Эскизы к этой работе представлены на выставке. Александр Константинович работал маслом, техника исполнения диктует фактуру, выявляет образные акценты. Он решает кадр как большую картину, использует сложные тональные переходы.

Композиция кадра выхватывает фрагменты, словно зритель пристально что-то рассматривает или, находясь вместе с героем в шторм, не может ничего разглядеть.

В экспозиции представлены работы только двух учениц Александра Константиновича Петрова – Н. Лобановой и Е. Овчинниковой. Эскизы Натальи Лобановой к мультфильму «Уроки плавания» мягкие, немного ироничные. Автор усиливает целостность образов, убирая мелкие детали, однако те, что остаются, приобретают значение смысловых ориентиров. В работе Екатерины Овчинниковой много воздуха, маленький мальчик с яблоком имеет острую индивидуальную характеристику, ясный образ.
Объединяя такие яркие и разные работы в одном проекте, организаторы дали зрителям возможность погрузиться в захватыващий мир анимации на стадии формирования художественных образов героев, когда выявляются стилистика всего анимационного фильма, сюжетные доминанты и композиционные находки.

Однако остается несколько странное ощущение от выставки – ощущение уходящего мира рисованной анимации. Мир меняется и диктует новые правила. «В начале нулевых ключевыми становятся понятия "деньги" и "рынок". В обществе потребления искусство осмысляется как элемент сферы обслуживания. Рынок суровей тоталитарных крысоловов диктует художнику свои условия. И диктат этот не может не сказаться на работе отдельного режиссера, студии, анимации в целом» [2].

Экспозиция выставки не ставит своей целью отразить новые тенденции, скорее, она показывает традиционную рисованную мультипликацию, значение рукотворного эскиза и сущность подхода старой школы анимационных фильмов.
Литература
1. Зайцев, А.Я. Особенности подготовки специалистов анимационного кино с учетом эволюции компьютерных технологий // Педагогика искусства. – Москва, 2019. – №3. – С. 69–75.
2. Малюкова, Л.Л. От детали к метафоре жизни. Российская анимация. Хроника метаморфоз // Сеанс. – 2008. – 20.08. – URL: https://seance.ru/articles/ot-detali-k-metafore-zhizni/ (дата обращения 28.10.2020).
3. Сергей Алимов. Штрихи к портрету : [ката - лог] // С.А. Алимов из интервью Е. Долгих. – Москва, 2013. – 32 с.
4. Хитрук, Ф.С. Профессия – аниматор : в 2 т. – Т.1. – Москва : Гаятри, 2007. – 304 с.
5. Яцюк, О.Г. Михайлов, Ф.М. Плоскость экрана и пространство за экраном: анимация между модернизмом и реализмом // Наука телевидения. – Москва, 2007. – № 4. – Том 13. – С. 104–121.
THE ROLE OF A SKETCH IN ANIMATION. EXHIBITION OF ANIMATED FILM ARTISTS IN YEKATERINBURG

Proshkina Olga Alekseevna Candidate of arts, associate professor at the Faculty of theory and history of art at the Moscow State Academic Art Institute named after V. I. Surikov, Regional Branch of the Russian Academy of Arts "Urals, Siberia and Far East" in Krasnoyarsk, Russia
Abstract: The article is devoted to the interregional exhibition of animated films "the role of a sketch in animation", held in November 2020 in Yekaterinburg in the halls of the Sverdlovsk branch of the Union of artists of Russia. The exhibition has become a part of a large project "Ural–Grafo". The exhibition featured hand-drawn sketches for animated films that formed the basis of implemented cartoons or were part of the educational process of future animation artists. The exhibition includes works by artists from Moscow, Yaroslavl and Yekaterinburg, including Oscar winner Alexander Petrov, who presented his works to the now classic cartoons, and his students. The exhibition also included works by the famous animation artist Sergey Alexandrovich Alimov (1938–2019). Teaching at the VGIK named after S. A. Gerasimov had been an important part of his activity for twenty-five years: the exhibition includes graphic works of his students. In general, the exhibition was an attempt to reveal the specifics of creating films that have absolute authenticity to the audience, despite the conventionality of screen reality.

Keywords: animation; sketch; cartoon; interregional exhibition.
Библиографическое описание для цитирования:
Прошкниа О.А. Роль эскиза в мультипликации. Выставка художников анимационного кино в Екатеринбурге. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 4 (5). – С. 128-135.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle5#rec276773675

Статья поступила в редакцию 07.11.2020
Received: November 07, 2020
Оцените статью
DOI 10.24412/cl-35763-2020-5-134-139
УДК 76.03/09

Галеева Тамара Александровна – доцент, кандидат искусствоведения, заведующая кафедрой истории искусств и музееведения Уральского федерального университета

E-mail: tgaleeva@mail.ru

Лаптева Влада Игоревна – искусствовед, научный сотрудник Екатеринбургского музея изобразительных искусств, магистрант Уральского федерального университета

E-mail: vladalapteva1@gmail.com
МИНИ-ГРАФИКА В БОЛЬШОМ ПРОЕКТЕ
В статье дается обзор графических работ IV Всероссийского биеннале-фестиваля графики «УРАЛ-ГРАФО» (2020), экспонировавшихся в номинации «мини-графика». Малый размер листов, их камерный характер оставляют художникам большую творческую свободу: они отмечены стилевым, техническим и тематическим разнообразием, воплощают богатый мир эмоций и размышлений современного человека.

Ключевые слова: мини-графика; печатная графика; экслибрис; «УРАЛ-ГРАФО».
Номинация «Мини-графика» – традиционная для Всероссийского открытого биеннале-фестиваля «УРАЛ-ГРАФО», проходящего в Екатеринбурге в 2020 году в четвертый раз [1, 2, 3]. Инициированный региональным отделением Союза художников России в 2011 году, фестиваль давно превратился в масштабное международное событие, притягивающее в свое поле художников, коллекционеров, зрителей, музеи, галереи, учебные заведения.

Мини-графика привлекает авторов, работающих в размерах, не превышающих 15×15 см. Строгие ограничения не мешают им использовать любые техники и материалы: офорт, меццо-тинто, ксилографию, линогравюру, гравюру на пластике, акватинту, литографию и другие печатные виды, а так - же акварель, гуашь, рисунок карандашом, гелевыми роллер-пенами и пр. Миниатюрyость размеров придает графическим листам особую камерность и рукотворность.

Более трети работ в номинации «мини-графика» – экслибрисы. С момента своего появления в XVI веке эта популярная ныне разновидность прикладной графики всегда была тесно связана с книгой. Сначала тисненый знак, свидетельствовавший о принадлежности определенному владельцу, размещался на левом форзаце издания или манускрипта. Позднее, заняв промежуточное положение между станковой и книжной графикой, он перешел от геральдических и шрифтовых композиций к изобразительным принципам. В XX веке, выйдя из книжного блока, экслибрис окончательно стал самостоятельной формой печатной графики, предметом активного коллекционирования.

О. А. Житенева. Экслибрис «Тракайский замок». 2020. Меццо-тинто, травленый штрих. 12×11,5 Собственность автора
В экслибрисах, представленных на фестивале «УРАЛ-ГРАФО», часто используется техника черно-белой линогравюры, органично ложащейся на плоскость книжной страницы, ибо форма в ней рождается из контрастов пятен и контурных линий. Выполняя функцию владельческого знака, они отмечены минималистичностью («Автопортрет» Лилии Абдрашитовой, «Экслибрис И. Шишкина» Натальи Гуровой), обобщенными, несколько лапидарными формами (экслибрис «Z.O.V» Ольги Зюзиной, 2020).

Ирония и юмор свойственны гравюрам на пластике Владимира Лупандина. В его экслибрисе для Елены Краузе (2019) изогнутые силуэты Адама и Евы, Змия, дерева, птиц сплетаются в цельную композицию, включающую также иронический текст («Пока Адам ворон считает, хитрый змей Еву искушает»). Миниатюры Юрия Молибоженко, предназначенные для Домов-музеев И. И. Шишкина (2018) и А. И. Куприна (2020), отличают тонкость штриховки, проработанность формы, своеобразная живописность (использованная в них техника торцовой гравюры на дереве применялась в XIX веке для репродукционных целей).

В редкой технике меццо-тинто, совмещенной с травленым штрихом, выполнен книжный знак Ольги Житенёвой, посвященный уникальному памятнику восточноевропейского зодчества – Тракайскому замку (2020). Романтическая атмосфера средневекового ансамбля здесь создается сопоставлением увеличенного и почти физически осязаемого археологического артефакта (фигурки коня) и, напротив, уменьшенного до игрушечной модели замкового комплекса. В экслибрисе «ND» Дарьи Наумовой (2020) на первый план выходит абстрактное сочетание различных текстур, обусловленных особенностями техники офорта.

Вместе с тем большинство работ, представляющих мини-графику на фестивале «УРАЛ-ГРАФО», абсолютно самодостаточны и не имеют функциональной нагрузки. В листах, посвященных историческому и современному состоянию российских городов, их повседневной жизни, конкретным событиям, превалирует достоверность, безусловная связь с предметным миром. В круглых композициях Марии Поповой («Вечер», «Во дворе», «Дерево» – все 2019) тихие сцены жизни провинциальных окраин словно подсмотрены в бинокль. Лаконичные ксилографические оттиски строятся на соотношении контрастных пятен и динамичных штрихов, обладая внутренней энергией, они одновременно сохраняют ощущение тишины маленьких улочек.

Жизнь промышленного города оживает в диптихе Евгения Мельченко «Томск. Демонтаж завода ФиКС» (2018). Процесс ликвидации некогда очень важного для жизни города предприятия (производство формалина и карбосмол – ФиКС) представлен буднично, словно задокументирован советским пленочным фотоаппаратом. Статичные постройки геометрических форм оживляют лишь шероховатые штрихи литографского карандаша, живописно намечающие небо с бегущими облаками, движение воздушных потоков.
Исторический образ города – в офорте Татьяны Крюковой «Нижний Тагил» (2020), композиционно объединяющем старые заводские сооружения, портреты основателей Акинфия и Никиты Демидовых и атрибутику горняцкого дела. Тонкость офортного штриха снимает суровость темы, диктует специфику графического языка, тяготеющего к камерности.

Натурные впечатления лежат и в основе акварельной композиции Эльвиры Шачковой «Сибирская дорога» (2020). В ней монохромное цветовое решение рождает состояние тревожности: доминирование сил величественной природы усиливает внутреннюю экспрессию работы.

Неизменный образный источник мини-графики на фестивале – литературные мотивы. Иллюстрации к басням И. А. Крылова (2020) Сергея Айнутдинова входят в серию, посвященную интерпретации русской классики. Они продолжают начатое художником в 2014 году с поэзии А. С. Пушкина «легкое путешествие в прошлое с намёком на будущее». Упругая и невесомая линия пера, четкое ритмическое соотношение штрихов, воздушное поле белой бумаги создают ироничный и метафоричный мир.
Для акварелей Павла Лапыша выбраны ключевые моменты сказки Вильгельма Гауфа «Калиф-аист» (2020). Цветные композиции сопровождают литературный текст, выделяя в нем сюжеты с коварным торговцем редкостями и приспешниками злого колдуна Кашнура, с превращением калифа и визиря в аистов и преображением прекрасной дочери властителя Индии в сову.

Рисунки Андрея Баландина связаны с литературными текстами более опосредованно: они визуально комментируют и развивают фантазийные сочинения самого художника. Их странным текстам точно соответствует причудливый линейный рисунок, выполненный обычной гелевой ручкой.

Линогравюра «Первая история» (2017) Натальи Кузнецовой апеллирует к образам первого короткометражного мультфильма о Микки Маусе «Безумный самолет» (1928) – культовом персонаже поп-культуры. В ней изображения словно вышиты штрихами-стежками, композиция включает не только многочисленные фигурки храброго мышонка, но и атрибуты киносъемки, а так же портрет аниматора компании Дисней – Аба Айверкса.

В фокусе внимания Светланы Рябовой – мифологические богини-музы Каллиопа и Мельпомена (серия «Девять муз», 2020), уподобленные кукольным марионеткам, послушно исполняющим свою роль на зеркале сцены. Приемы театральности поддерживаются в композиции плоскостно-декоративным решением фона, орнаментальными растительными мотивами.

Эфемерные загадочные видения возникают в работах Виктора Рубанского, мастерски сочетающего офорт, акватинту и «черную манеру» (меццо-тинто). Почти апокалиптическое настроение наполняет листы с геометрическими названиями («Вертикаль-горизонталь», «Разрывая круг» – оба 2019), которые одновременно и напряженно тревожны, и изящны, а крылатый носорог в них – словно посредник с иным миром.

К некоторой причудливости образов тяготеет и Ольга Попова в серии «Птички-невелички» (2020). Ее длинноклювые птички вписаны в форму квадрата, своей композиционной устойчивостью сдерживающего вибрацию ярких цветовых пятен гуаши, подвижность штрихов. Беспокойный ритм оперения птиц создает почти абстрактную игру цвета и форм. Наконец, свободная импровизационность и геометрическая знаковость доминирует в серии Александра Сивкова «Белое цветение» (2020). Простые природные мотивы и формы трансформируются в ней в эстетические объекты, лишенные натуроподобия.
«Мини-графика» – один из наиболее открытых форматов для художественных экспериментов: классические техники и сюжеты могут в ней легко сочетаться с новыми. Малый размер дает авторам свободу в исполнении, позволяет завершить работу в один прием, на единой импровизационной и эмоциональной волне. Наконец, она предельно мобильна благодаря своим размерам. Не удивительно, что в художественном мире в 1990–2000-е годы появилось множество международных фестивалей и регулярных выставок экслибриса и графики малых форм. Присутствие номинации «Мини-графика» в структуре фестиваля «УРАЛ-ГРАФО» дает его участникам дополнительный шанс для включения в международный арт-контекст.
Литература
1. Зайцев, А.Я. Особенности подготовки специалистов анимационного кино с учетом эволюции компьютерных технологий // Педагогика искусства. – Москва, 2019. – №3. – С. 69–75.
2. Малюкова, Л.Л. От детали к метафоре жизни. Российская анимация. Хроника метаморфоз // Сеанс. – 2008. – 20.08. – URL: https://seance.ru/articles/ot-detali-k-metafore-zhizni/ (дата обращения 28.10.2020).
3. Сергей Алимов. Штрихи к портрету : [ката - лог] // С.А. Алимов из интервью Е. Долгих. – Москва, 2013. – 32 с.
4. Хитрук, Ф.С. Профессия – аниматор : в 2 т. – Т.1. – Москва : Гаятри, 2007. – 304 с.
5. Яцюк, О.Г. Михайлов, Ф.М. Плоскость экрана и пространство за экраном: анимация между модернизмом и реализмом // Наука телевидения. – Москва, 2007. – № 4. – Том 13. – С. 104–121.
MINI-GRAPHICS IN A BIG PROJECT

Galeeva Tamara Aleksandrovna Associate professor, candidate of arts, head of the Department of art history and museology at the Ural Federal University

Lapteva Vlada Igorevna Art critic, researcher at the Yekaterinburg Museum of Fine Arts, master's degree student at the Ural Federal University
Abstract: The article discusses the graphic works of participants of the IV all-Russian Biennale-festival "UralGrafo" (2020), exhibited in the category "mini-graphics". The small size of the paper sheets and their intimate nature give a great creative freedom to artists: the works have got a stylistic, technical and thematic diversity, they embody a rich world of emotions and reflections of a contemporary person.

Keywords: mini-graphic; print graphics; exlibris; "UralGrafo".
Библиографическое описание для цитирования:
Галеева Т. А., Лаптева В. И. Мини-графика в большом проекте. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 4 (5). – С. 136-141.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle5#rec276773675

Статья поступила в редакцию 14.10.2020
Received: October 10, 2020
Оцените статью
10.24412/cl-35763-2020-5-140-145
УДК 76.03/09

Галеева Тамара Александровна – кандидат искусствоведения, заведующая кафедрой истории искусств и музееведения Уральского федерального университета

E-mail: tgaleeva@mail.ru

Копосова Любовь Валентиновна – магистр искусствоведения, ведущий художник Центра современной культуры Уральского федерального университета.

E-mail: dobryvecher@mail.ru
ДВИЖЕНИЕ ЖИЗНИ
В статье делается обзор выставки графики художников Ямало-Ненецкого автономного округа (ЯНАО), состоявшейся в рамках IV Всероссийского биеннале-фестиваля «УРАЛ-ГРАФО» (2020). Отмечается формирование новой художественной традиции, вырастающей из соприкосновения этнического мироощущения народов Севера и современных форм и технологий графики.

Ключевые слова: графика; традиция; мифологические образы; художники Ямало-Ненецкого автономного округа
Камерная, тихая выставка одиннадцати художников из пяти городов автономного округа в рамках IV Всероссийского фестиваля «УРАЛ-ГРАФО» представила некий срез графического искусства Ямало-Ненецкого округа.

Изобразительное искусство Ямала своими корнями уходит в традиционное народное и декоративно-прикладное искусство, создававшееся северными народами (ненцами, хантами, селькупами, коми-зырянами): изготовление одежды и аксессуаров из сукна, меха и кожи, украшение ее вышивкой, бисером, декоративная резьба по кости, дереву, бересте. С давних пор в северных декоративных изделиях присутствовал несложный геометрический орнамент, наполненный глубинной шаманской символикой. В миниатюрной скульптуре и украшениях из моржовой кости ярко выражались пластические характеристики – особая плотность коренастой формы, округлые, обнимающие ее контурные силуэты. Рождавшиеся из пространственной протяжённости тундры формы и линии воплощали эмоциональные и духовные отношения человека и природы, состояние особой подвижности северных народов, постоянно находящихся в передвижениях, своеобразной сезонной миграции.

Профессиональное изобразительное искусство появляется на Ямале поздно, только во второй половине ХХ века [1]. Оно привнесено, как правило, приезжими мастерами, которые художественно осваивали Север с 1960-х годов и одновременно внедряли виды и техники фигуративной живописи и графики в кружках, студиях, детских художественных школах. Ямал с его своеобразной культурой стал благодатной почвой для мастеров изобразительного искусства, искавших ответы на вопросы о мире, гармонии, народности, преемственности, жизни и смерти. Излюбленными сюжетами в их творчестве стали люди, предметы, сцены быта и праздников северных коренных народов, привлекающих как своей «живучестью», так и семантической сложностью, уходящей в глубину столетий.

Е. В. Зорина. Северные мотивы. №2. 2019. Тонированная бумага, гуашь. 29,5×42 Собственность автора
Современные формы изобразительного искусства активно развиваются в Салехарде и других городах округа: ежегодно проходит окружная выставка современного изобразительного искусства «Арт-Ямал», проводятся большие международные фестивали – «Неделя графики и дизайна в столице Ямала», фестиваль граффити «Культурная оборона», на которые приезжают мастера из разных российских городов. Хотя до сих пор в округе нет высшего учебного заведения для подготовки художников в сфере станкового творчества, здесь, наконец, сложилось свое отделение Союза художников России. Его члены и составили основу выставки графики Ямало-Ненецкого округа в рамках фестиваля «УРАЛ-ГРАФО».

Характерно, что некоторые участники нынешней выставки пришли в графику именно через декоративно-прикладное творчество, народные промыслы, что так характерно для культур, опирающихся на традиционное народное искусство, использующих орнаментальные этнические мотивы. Родившиеся в Украине, Казахстане, Сибири и на Урале, они выросли в различных художественных сообществах, получили академическую подготовку в разных учебных заведениях России, но, обосновавшись на Крайнем Севере, создают произведения с очень личным ощущением места, которое стало им родным, а вовсе не «краем земли» (так переводится «я мал» с ненецкого).

Так, Андрей Вахрушев, закончивший художественно-графический факультет Нижне-Тагильского педагогического института (учился у склонного к субъективно-личностным рефлексиям в графике и фотографии Владимира Антония), давно сложился как творческая индивидуальность. Он мастерски владеет графическим языком, экспрессивными и фактурными возможностями рисунка, находит современные формы воплощения мироощущения северных народов. В работах А. Вахрушева действуют духи-покровители окружающей природы: хранитель оленьих стад Илибя Пэртя («Хозяин всех оленей», 2020), «Хозяин глубин» («Камлание», 2020), гигантская птица Минлей с семью парами железных крыльев, которыми она порождает ветер («Минлей», 2020). На небольших листах воссоздается символическая вселенная древних ненцев с тремя уровнями (небесным, земным и подземным), населенными мифологическими обитателями. Графические образы А. Вахрушева отражают личностное, отнюдь не этнографическое восприятие древних традиций, острое чувство красоты и неповторимости северного мира природы и человека. Возглавляя молодую региональную Ямало-Ненецкую организацию Союза художников России (ей всего 10 лет), мастер ведет активную общественную деятельность по сохранению и актуализации этнического искусства Севера, развитию современных форм изобразительного искусства.

Древние мифологические образы закономерно возникают и у других ямальских художников, бережно относящихся к традиционной культуре ненцев, хантов, манси. Так, мотив мирового древа в акварели Михаила Канева «Медный гусь» (2020) восходит к местному этническому декоративно-прикладному искусству (резьба по дереву и кости, которой и сам художник владеет), с его простотой и наивностью форм, опирается на региональные мифо-поэтические образы (Медный Гусь почитался у ненцев духом-покровителем семьи).

В работах ямальских графиков находит отражение не только легендарное прошлое, но и современная повседневная жизнь северного края. В гуашевых композициях Екатерины Орловой («Движение жизни», 2019) и Елены Зориной (серия «Северные мотивы», 2019) визуальные знаки национального духа облечены в традиционную форму натюрморта, где фактурность мазка (хотя речь идет о графике!) передает стихию движения, внутреннюю эмоцию женского домашнего мира.
В работах Светланы Пашкиной авторская техника печати порождает сложное сочетание фактур и тонкие переходы мягких охристо-голубовато-серых оттенков. Характерные признаки северного кочевого быта – стойбища, олени, меховые шубы-малицы, комары («Комариный бунт», 2020; «Пролетая над стойбищем», 2020; «Февральская метель», 2020) – теряют свою материальную осязательность, обретают качество странного соединения реального и мифологического миров, неразъемность которых столь характерна для традиционных культур. Двухцветные линогравюры Светланы Кругловой с их четкой ритмикой линий и декоративными контрастами пятен тонко и деликатно интерпретируют северные орнаментальные мотивы, символически обозначающие традиционные семейные ценности («Ямальский уют», 2020).

Особую интонацию выставке придает преобладающее использование материалов мягких, уютных по тактильным ощущениям. Часто это обычный графитный карандаш, но не в холодной академической ипостаси, а с лихим штрихом или растушевкой (А. Вахрушев). В разных проявлениях предстает классическая пастель, делающая бархатистые переходы тонов даже в чисто орнаментальном, казалось бы, мотиве, основанном на графической интерпретации традиционного элемента «оленьи рога» («Хабыт-нямдт» И. Любомской, 2020).
Художники Ямала часто используют сугубо реалистическую трактовку мотивов и образов, в которой опираются на натурные впечатления. В пастелях В. Чалого («Ямальский натюрморт», «Род Айваседа – ненцы») узнаваемые предметные формы и конкретная портретная модель сближены и обобщены в границах общего теплого охристо-коричневого колорита. Василий Краснобородкин точно передает поэтический тихий облик уральских деревянных ансамблей, превратившихся в музейные комплексы В. П. Краснобородкин. Хохловка. Осенний денёк. 2019. Бумага, акварель. 50×70 Собственность автора («Хохловка. Осенний денёк», 2019). Андрей Сахненко воссоздает виды старинных посадов Севера, сочетающих городское деревянное зодчество и традиционное жилище кочевых народов – чумы («Давным-давно», 2020). Масляная пастель с ее сочным цветом и возможностями создания выразительной фактуры раскрывает свои эффекты в работах Ирины Падалкиной («В ожидании лета», 2019) и Александра Матвеева («Осенний вечер», 2020).

Выставка оставляет впечатления неспешного, но уверенного движения, формирования новой художественной традиции, вырастающей из соприкосновения этнического мироощущения народов Севера и современных форм и технологий графики.
Литература
1. Лебедева, А. В. Изобразительное искусство обских угров : дис. ... канд. искусствоведения. – Барнаул, 2011. – URL: https://www.dissercat.com/ content/izobrazitelnoe-iskusstvo-obskikh-ugrov
THE FLOW OF LIFE

Galeeva Tamara Aleksandrovna Candidate of arts, head of the Department of art history and museology in the Ural Federal University

Koposova Lyubov Valentinovna Master of arts, leading artist of the Center for contemporary culture in the Ural Federal University
Abstract: The article gives a review of the exhibition of graphic artists from the Yamalo-Nenets autonomous region, which is a part of the IV all-Russian Biennale-festival of graphic art "URAL-GRAFO", 2020. The author describes the formation of a new artistic tradition that has emerged from the reflection of the peoples of the North's ethnic perception of modern forms and technologies of graphics.

Keywords: graphics; tradition; mythological images; artists of the Yamalo-Nenets autonomous region.
Библиографическое описание для цитирования:
Галеева Т. А., Копосова Л.В. Движение жизни. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 4 (5). – С. 142-147.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle5#rec278494223

Статья поступила в редакцию 14.10.2020
Received: October 10, 2020
Оцените статью
DOI 10.24412/cl-35763-2020-5-146-153
УДК 7.036

Прошкина Ольга Алексеевна – кандидат искусствоведения, доцент факультета теории и истории искусств Московского государственного академического художественного института им. В.И. Сурикова при Российской академии художеств, главный специалист Регионального отделения Урала, Сибири и Дальнего Востока Российской академии художеств в г. Красноярске.

E-mail: olga-proshkina@ya.ru
ПРОСТРАНСТВО ПОЛЕТА В ОФОРТАХ АНДРЕЯ МАШАНОВА
Статья посвящена графике Андрея Николаевича Машанова; впервые рассматривается тема полета в его произведениях, которая является не только основой сюжетов, но и поисков формы в отдельных графических листах и сериях офортов. В статье анализируется материал трех персональных выставок художника в 2020 году: Омске, Владивостоке, Екатеринбурге (в рамках IV фестиваля «УРАЛ-ГРАФО»). Рассматриваются авторские книги художника как уникальная творческая практика, в которой объединены иллюстрации и каллиграфия; тематические офортные серии «Древнерусские мастера» и «Музыка».

Ключевые слова: Андрей Николаевич Машанов; авторская книга художника; гравюра; дополненная реальность; офорт; искусство Сибири; каллиграфия.
В изобразительном искусстве есть много разных тем, сюжетов и мотивов, но, пожалуй, одной из самых романтичных представляется тема полета. Интерес к ней проявлялся в разные столетия и в разных странах, наполнял души мечтателей, поэтов и художников. Но именно искусство ХХ века обратилось к теме полетов, вложив в нее максимальное смысловое и символическое значение, ведь именно она обозначила прорыв человека в иное пространство.

Работы Андрея Машанова – это обращение не столько к рациональному, сколько к эмоциональному. О чем его искусство? Естественно, в каждый период автором движут определенные импульсы. Вместе с тем в произведениях разных циклов и разных лет есть сквозная линия, проходящая через все творчество: в его офортах содержится особое ощущение полета, благодаря которому графический лист воспринимается как трехмерное пространство, наполненное специфическими образами, обобщающими творческие раздумья автора.

Работы, о которых пойдет речь в статье, были включены в состав трех персональных выставок Андрея Машанова в 2020 году: «Пространство знака» в Омске (январь) было приурочено к 60-летию со дня рождения художника, «КаллиГрафика» состоялась во Владивостоке в августе и «Свободный полет» – в Екатеринбурге в рамках крупного художественного проекта «УРАЛ-ГРАФО» (октябрь).

Андрей Николаевич Машанов – член-корреспондент Российской академии художеств, заслуженный художник РФ, секретарь Союза художников России по Сибири, профессор кафедры дизайна Омского государственного технического университета, но прежде всего художник, который вот уже более четверти века занимается офортом, трудоемким и сложным видом печатной графики.

А. Н. Машанов. Андрей Рублев. 1993. Офорт, акварель, золотая краска. 63×50 Собственность автора
В творческую биографию Андрея Машанова вошло обучение на художественно-графическом факультете Омского государственного института им. А. М. Горького (1993), а позднее в творческой мастерской графики Российской академии художеств отделения Сибири, Урала и Дальнего Востока в Красноярске, в мастерской под руководством Г. С. Паштова (2005). Кроме того, формирование художественного видения происходило в соприкосновении с особой творческой средой, существование которой сопряжено с выставками, смотрами и комиссиями, работой на творческой даче «Челюскинская», где мастер проводил и проводит много времени. Все это способствовало формированию индивидуального графического стиля. Отличительные черты этого стиля – емкость образа, обобщенная трактовка, в которой автор сознательно уходит от детализации, ручная доработка цветом, эффект фактурной поверхности в изображении, который достигается посредством сложного травления.

Излюбленным видом гравюры для Андрея Машанова становится офорт, в этой технике художник создает как отдельные листы, так и целые серии. Искусствовед Л. К. Богомолова выделяет несколько важных программных тем в искусстве Андрея Машанова и прежде всего древнерусскую тему, которая разрабатывается художником с 1992 года и включает образы иконописцев («Андрей Рублев», 1993; «Феофан Грек», 1992; «Дионисий», 1993), безымянных творцов («Зодчие», 1995; «Звонарь», 1995; «Лубошник», 1998; «Боян», 1998; «Гончар», 1998 и др.) и значимые исторические события Руси («Битва на Калке», 1998).

К отдельной теме автор относит серию стилизованных фигур ангелов, которые музицируют, возвещают, слушают мелодию. Фактически эти образы становятся сквозными, что означает планомерное развитие темы: «Выполненные в смешанной технике штрихового офорта, в сочетании с приемами гравирования сухой иглой, акватинтой, меццо-тинто, листы зачастую расцвечиваются от руки акварелью. Другой характерной особенностью машановских гравюр является применение цветных фонов. Они служат обобщающим приемом, выделяя на белом листе бумаги четко очерченный прямоугольник офорта. Этот прием художник будет использовать и позже, всегда тщательно подбирая цвет для оттиска гравюры. Различные градации охристо-коричневых либо сероватых тонов в фонах придают его гравюрам налет времени, признак старины, напоминая желтоватый фон пергамента или старинной бумаги» [1, с. 5].

Уникальным явлением становится работа Машанова над авторской книгой художника (Livre d'artiste): среди завершенных можно назвать «Книгу Ангелов», которая родилась из серии графических листов с изображением парящих крылатых фигур. «Первым "творческим высказыванием" мастера стал офорт "Светлый ангел", с которого и началась работа над книгой. Отпечатанный малым тиражом (всего 15 экземпляров), этот небольшой офорт изначально создавался как приглашение в Омский музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля на персональную выставку художника в 2009 году. Впоследствии миниатюра была включена в "Книгу Ангелов" и получила авторский текст: "Вся моя жизнь, все мое творчество – это поиски Ангела с поломанным крылом"» [2, с. 94–95].

Первая книга появилась из серии работ, в ней же вновь произошло соединение графики и каллиграфии, еще одного творческого увлечения художника. Сегодня практически ни одна персональная выставка А. Машанова не проходит без участия каллиграфических произведений, иногда они принимают форму графического листа с изображением, сопровождаемым емкой фразой, иногда форму свитка большого формата («Песнь песней царя Соломона», 2018).

«Акцентируя внимание на виртуозной каллиграфии – непременном атрибуте авторской книги Андрея Машанова, стоит отметить, что искусство красивого письма, нестандартных рукописных форм – это давнее увлечение мастера: уже в середине 1990- х годов он вводит тексты в офорты серии "Древние мастера", которые принесли ему широкую известность и признание профессионалов» [2, с. 94].

Еще одной авторской книгой стала серия листов «Любинский проспект» (2016), которую художник создавал к 300-летию Омска. Их можно было увидеть в увеличенном виде в качестве самостоятельных произведений на выставках, но изначально планировалось объединить их в альбом, посвященный Омску. Внутренняя целостность позволяет автору быть последовательным в своих высказываниях.

В настоящее время Андрей Машанов обдумывает создание авторской книги художника «Музыканты», где отдельные графические листы сопровождаются повтором изображения на развороте, очищенным с помощью компьютера от сюжетной канвы, с включением каллиграфии. Мы видим процесс создания книги, в которой повествование вырастает из отдельных образов.

Если говорить о символике произведений А. Машанова, то особое место в ней занимает тема полетов. С древнейших времен в изобразительном искусстве эта тема была связана с миром божественным, мифическим, изображения отсылали к природной стихии, иллюстрировали христианские легенды. Серьезный перелом произошел в конце XIX века, когда покорение человеком неба стало реальным. «И вот уже с 1910 года авиация и авиаторы заняли одно из центральных мест в живописи, графике и плакатном искусстве, в скульптуре, в архитектуре, в искусстве фотографии и кино» [3, с. 77]. Символическое значение мотива движения в небесной сфере расширяется, экстраполируется на многие аспекты жизни человека, трансформируется в воздухоплавание: «Аэроплан оказался образом живой, вечно трансформирующейся, перекодирующейся структуры, знаком потенциального кода, обеспечивающего постоянные метаморфозы человека и окружающего его мира» [3, с. 77].
Тема воздухоплавания органично встраивается в тему полетов и появляется в книге-альбоме Андрея Машанова «Любинский проспект». Воздушные шары в офорте «Саламандра» (2016), самолеты в работе «Летний день» (2016) словно одушевлены на листах и как бы раздвигают пространство листа. Художник выбирает не современные летательные аппараты, а те, что ассоциативно связывают нас с временем начала покорения неба, тем самым отсылая к прошлому.

Но чаще на офортах встречаются летящие ангелы, парящие в воздухе или словно находящиеся в невесомости. «В художественной культуре ХХ века, наряду с аэропланом, репрезентацией "текучести" формы и смысла, репрезентацией бесконечных эквивалентностей и метаморфоз становятся разного рода "реющие" предметы и явления» [3, с. 78]. Метафора реющей фигуры – это образ возможности перевоплощения, наполнения новыми смыслами, все это приводит к тому, что в искусстве летящая в пространстве форма становится знаком, символом, потенциалом. Эта концепция сформировалась в первые десятилетия ХХ века, в период, наполненный крушениями и переменами в мире, и обращение А. Машанова к полету как уникальной формообразующей единице спустя сто лет говорит об определенной цикличности в ситуации, когда выход за пределы Земли, освоенность пространства Вселенной обсуждается не как вероятностная, а как возможная.
Полет становится и темой, и формой, и метафорой. Поднимаясь в воздух или безвоздушное пространство, фигура словно теряет вещественность и устойчивость. И вот уже тема полета приобретает дополнительное смысловое значение. Можно ли расшифровать эти смыслы? В работе «Птица счастья» (2009) на спине мифической птицы, решенной декоративно, как птицы из древних поверий, которая и приносит весну, и переносит души умерших, сжался ангел, одинокий и потерянный. Птица раскинула крылья между луной и солнцем, закрыла весь мир. Метафоричная работа, апеллирующая к дохристианским поверьям.

Некоторые исследователи указывают на христианизацию образов Андрея Машанова, бесспорен интерес мастера к наследию русской иконы, древности, однако, на наш взгляд, правильнее вести речь о мифологизации образов ангелов. Они не принадлежат миру людей, но и сводить их только к христианским символам неуместно.

Исследователь А. А. Квитко пишет о работе Андрея Машанова «Достань мне звездочку» (2004): «Художник обращается к архетипическому образу Божественной Матери и Сына. Анатомическая точность и пропорции взрослого человека роднят младенца с иконографией Христа, поза женщины с распростертыми к небу руками схожа с типом изображения Богоматери Оранты, однако традиционный жест заступнической молитвы приобретает прикладное значение – она подкидывает и принимает в объятия младенца. Определенный смысл образу придает огненный диск, напоминающий одновременно солнце и нимб. Эта метаморфоза не случайна, автор контаминирует языческую религию и христианство. Нимб как знак божественной силы возник в религиозном искусстве задолго до христианства, в нашем случае солнечный ореол символизирует как божественную силу, так и особую значимость, озаренность изображенного события… Художник изображает женщину босиком стоящей на травянистом холме, что подчеркивает ее связь с землей. Прямая аналогия женщины со стихией земли позволяет отождествить ее с Матерью-Землей» [4, с. 104].

Сложно угадать, кто эти бестелесные существа, зачем они тут, откуда у них крылья? Но реальность, в которую нас вовлекает художник, не требует многих разъяснений, ее целостность делает пространство и образы достоверными, прочувствованными.

Крылатыми становятся и «Андрей Рублев» (1993), и музицирующие ангелы: их полет можно воспринимать как полет творчества, полет звуков музыки. Музыка запечатлена в графическом листе посредством текучести линий и мелодичности переходов цвета. Трансформации в музыкальных фразах возникают легко, находят свое развитие, в то время как трансформация человека происходит куда сложнее: как музыка может преобразовывать пространство, так и фигуры, словно закованные в кокон, готовы к трансформации. И вот тут соприкасается тема полета с трансформацией духовной: тогда логичны и крылья, и задумчивость, погруженность в себя.

Цветовое решение наполняется звучностью, цвет поддерживает настроение, парение, вносит сказочность, иллюзорность. Так, одеяние Андрея Рублева едва намечено, светлый, белесый цвет длинных одежд словно спорит с исторической правдой, ведь монашеское одеяние было темным. Цветовой строй работы «Скрипач» (2009) полон таких мягких тональных переходов, что приобретается мажорное звучание всей работы, он словно отрывается от тверди, не летит, а взлетает, есть в его фигуре что-то неуверенное, робкое. Полет как способ диалога ангела с миром, как способ диалога творца с людьми.
В офорте «Поехали» (2013) тема полета решается более литературно, ангел запускает самолетик с газетной новостью о первом полете в космос человека. Знаменитое Гагаринское «Поехали!» становится ключом к пониманию замысла. Но есть в этой работе и одна особенность: фигура ангела – словно камушек внизу листа, заземленная, устойчивая, а космос загадочный и безграничный. Композиционное построение основано на фрагментарном подходе, но всегда создается ощущение, что мир целостен, он шире увиденного, словно офорт может быть расширен, и дальше будут звезды в небе и твердь под ногами.

На выставках 2020 года впервые Андрей Машанов в экспозиции применил новые технологии дополненной реальности, которые дают возможность при помощи специальной программы для смартфона получить иллюзию реального движения, полета. Применение в искусстве возможностей дополненной реальности сближает графику с анимацией. Но самое интересное, что новая придумка автора дает развитие все той же многослойной теме полета. «Космический корабль и человек в космосе перенимают у "реющих тел" 1900–1930-х годов функцию перехода от ключевых культурных мифов к образованию декодифицированных смыслов. И, наконец, визуализация "реющего" тела в космическом полете во многом предопределила появление виртуальной – по сути дела, абсурдной – среды с ее оптико-кинетической иллюзией разного рода летающих фантомных объектов» [3, с. 85].

Подытоживая, можно определить тему полетов в творчестве Андрея Машанова, как возможность художника найти свой мир – тонкий, образный, душевный.

А. Н. Машанов. Скрипач. 2009. Офорт, акварель, золотая краска. 50×43. Каллиграфия. 2019. Бумага, тушь, перо. Собственность автора
Литература
1. Графика. Андрей Машанов / автор вступ. ст. Л.К. Богомолова. – Омск, 2012. – 128 с.
2. Гуменюк, А.Н. «Книга Ангелов» Андрея Машанова // Искусство Евразии. – Барнаул, 2019. – № 1(12). – С. 92–104. – URL: https://cyberleninka.ru/article/n/ kniga-angelov-andreya-mashanova (дата обращения 05.09.2020)
3. Буренина, О.Д. Абсурд и мотив воздухоплавания в литературе и искусствах 1900–1930-х годов // Известия Российского государственного педагогического университета им. А.И. Герцена. – 2005. – Том 5. – № 11. – С. 76–87.
4. Квитко, А.А. Христианский архетип Богоматери в изобразительном искусстве. Примеры художественных решений в творчестве сибирских художников // Вестник Казанского государственного университета культуры и искусств. – Казань, 2018. – № 2. – С. 101–107.
THE SPACE OF FLIGHT IN THE ETCHINGS OF ANDREY MASHANOV

Proshkina Olga Alekseevna Candidate of arts, associate professor at the Faculty of theory and history of art in the Moscow State Academic Art Institute named after V. I. Surikov at the Russian Academy of Arts, chief specialist of the Regional branch of the Russian Academy of Arts "Ural, Siberia and Far East" in Krasnoyarsk.
Abstract:The article is devoted to the graphics of Andrey Nikolaevich Mashanov. For the first time, the theme of flight in his works is being considered. This theme does not only determine the basis of plots, but also underlies the search for form in individual graphic sheets and series of etchings. The article analyzes the material of three personal exhibitions of the artist in 2020: Omsk, Vladivostok, Yekaterinburg (as part of the IV URAL-GRAFO festival). The artist's books are being considered as a unique creative practice, which combines illustrations and calligraphy; thematic etching series "The old Russian masters" and "Music" are also being considered.

Keywords: Artist's book; Andrey Mashanov; engraving; augmented reality; etching; the art of Siberia; calligraphy
Библиографическое описание для цитирования:
Прошкина О.А. Пространство полета в офортах Андрея Машанова. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 4 (5). – С. 148-155.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle5#rec278497019

Статья поступила в редакцию 20.08.2020
Received: August 20, 2020
Оцените статью