ХРОНИКА

Материалы рубрики посвящены наиболее значительным состоявшимся и готовящимся художественным проектам, выставкам, научным конференциям в регионах
УДК 7.036
Левданская Наталья Андреевна – кандидат искусствоведения, заслуженный работник культуры РФ, заместитель директора по научной работе Приморской государственной картинной галереи.
Владивосток. Россия

E-mail: lna293@mail.ru
МÁСТЕРСКАЯ ЖИВОПИСЬ
Сергей Горбачёв. Александр Ионченков. Владимир Погребняк. Александр Селиванов. Сергей Ход (Дробноход). Валерий Шапранов
Статья посвящена выставке в Приморской государственной картинной галерее шести современных живописцев из Владивостока – С.Д. Горбачёва, С.В. Дробнохода (Сергея Хода), А.И. Ионченкова, В.Н. Погребняка, А.В. Селиванова и В.П. Шапранова. Раскрываются концепция, характеристика каждого из экспонентов, показываются результаты.
Художников объединяет принадлежность одному поколению (1950–1960-е гг.), появление на художественной сцене во второй половине 1980-х – начале 1990-х годов и самоотверженный труд вместе с другими десятью-пятнадцатью художниками, благодаря которому завоёван и поддерживается высоким сегодня авторитет искусства территории в России и в странах-соседях по Азиатско-Тихоокеанскому региону.
Ключевые слова: современное искусство Владивостока; Приморская государственная картинная галерея; С.Д. Горбачёв; С.В. Дробноход; А.И. Ионченков; В.Н. Погребняк; А.В. Селиванов; В.П. Шапранов; «МАстерская живопись»
В ноябре–декабре 2019 года в Парадном зале Приморской государственной картинной галереи прошла выставка шести мастеров современного искусства, живущих и работающих во Владивостоке.

Выставка не была запланирована, родилась экспромтом. Тем не менее ход событий от идеи до воплощения показывает, что всё не случайно, что именно таких – групповых – выставок, какими богаты были 1990-е – начало 2000-х, не хватает в художественном процессе края. Коллективные показы, где художник представлен одной–двумя работами, не дают возможности полноценного художественного высказывания, а персональные требуют слишком больших эмоциональных, физических и финансовых затрат, чаще всего ничем не восполняемых.

Групповая выставка – жанр особый. Согласитесь, группа складывается непременно из людей, как минимум уважающих друг друга, признающих творчество друг друга достойным того, чтобы представляться в одном пространстве, из художников, объединённых чем-то.
Сергея Горбачёва, Александра Ионченкова, Владимира Погребняка, Александра Селиванова, Сергея Хода (Дробнохода), Валерия Шапранова объединяет то, что рождены они в одно десятилетие от 1950-го года до 1960-го, что учились в одних и тех же учебных заведениях и, практически, у одних и тех же педагогов. На художественной сцене территории они появились в один и тот же, пожалуй, самый интересный момент истории приморского изобразительного искусства – во второй половине 1980-х – начале 1990-х. Именно этих (и ещё десяти-пятнадцати) художников самоотверженными трудами завоёвано тогда право на творчество вне соцреализма. В итоге неомодернистские тенденции, ставшие к началу XXI века ведущими, способствовали сохранению аутентичности изобразительного искусства Приморья, сделали возможным его выход на международную арену. Да и сегодня авторитет искусства территории в России и в странах-соседях по Азиатско-Тихоокеанскому региону поддерживается не без участия этой шестёрки мастеров.

Сергей Дмитриевич Горбачев родился в Котовске Одесской области. Профессиональное образование, тем не менее, получил во Владивостоке. В художественном училище его наставником был В.Н. Старовойтов, в Дальневосточном институте искусств – В.Н. Доронин.

Становление Горбачёва как личности и как художника шло поступательно – через постижение характера природы Дальнего Востока, изучение лучших образцов мирового изобразительного искусства в центральных музеях страны во время обучения в институте искусств в 1980-е, через первые зарубежные поездки во Вьетнам, Японию, Китай в 1990-е.

С течением времени художнику становятся тесными рамки реалистической традиции, появляются картины-поэмы, картины-символы, наполненные лирическим и в то же время умозрительным переживанием красоты бытия. Пожалуй, ближе всего Горбачеву 2010-х эстетика символизма, стилистика известного московского объединения начала ХХ века «Голубая роза». Так же, как и «голуборозовцы», Горбачёв соединяет в своей живописи декоративизм европейского постимпрессионизма с элементами восточного искусства, русской иконописи, народного лубка. Палитру художника составляют нежные разбелённые краски, накладываемые тонкими, полупрозрачными слоями, а формы, несмотря на несомненную фигуративность, не совсем соответствуют нарративу, их смысл кажется зыбким и ускользающим. Метафоричность, свойственная образам С.Д. Горбачёва и ранее, приобретает со временем лирическую, поэтическую окраску [2, с. 281–286].

Как говорит Сергей Васильевич Дробноход, натурой для его первых рисунков послужили бабушкин сервант и добрые лица родственников. Он тоже окончил художественное училище (педагоги Ф.Н. Бабанин, А.К. Жоголева) и институт искусств (мастерские А.С. Литвинова, Н.П. Жоголева) во Владивостоке.

В настоящее время это один из интереснейших приморских художников. Работает в основном сериями. Названия «Секретная пашня», «Скрытые чувства», «Музыка» свидетельствуют о страсти автора исследовать глубины подсознания, об интересе к эзотерике, к тому, чего не объяснить словами. В то же время Дробноход (или, как он теперь себя называет, Сергей Ход) не порывает с фигуративным искусством, правда, попытки зрителя «зацепиться» за предметные формы в надежде разгадать замысел художника могут ни к чему не привести: нет прямой связи между явно изображённым и тем, что хочет сказать автор… Зрителю лучше просто довериться автору, смотреть на картины и плыть по волнам этих сакральных пашен, невыразимых чувств, параллельных миров...

Ф.Н. Бабанин в художественном училище, А.С. Литвинов – в институте искусств были преподавателями Александра Ивановича Ионченкова. Творческую эволюцию этого мастера коротко можно охарактеризовать так: от абстракции цветового пятна – к абстракции пространственной, от декоративности цветовой гаммы – к богатой оттенками монохромности. Абстракции его производят впечатление почти монументальное. Конструктивистские идеи, заложенные в основание всех композиций, обнажают мощное желание автора выплеснуть в мир всю силу переживаемых ощущений. То чередование, то совмещение нескольких планов, пульсация неглубокого пространства, смещение перспективы и взаимопроникновение имеющих чёткие границы плоскостей воспринимаются как попытка автора отразить пространственно-временной срез образа сущего мира в каждой отдельно взятой работе.

Сегодня Ионченкова уже не привлекают экзерсисы на границе фигуративного и абстрактного искусства, как это было на раннем этапе творчества. На первый взгляд, он, как и его старший коллега Александр Пырков¹, заинтересовался изучением и созданием своих версий метаморфоз пространства. Представляется, однако, что метаморфозы Александра Ионченкова рождаются не в космических далях, как у А.А. Пыркова, а здесь, на нашей планете, – это яркие пластические и колористические фантазии по поводу собственных переживаний автора.

Владимир Николаевич Погребняк учился во Владивостокском художественном училище у известных приморских графиков Ф.Н. Бабанина, И.В. Васильева, Л.Я. Яценко, В.С. Чеботарёва, и понятно, что он получил отличную графическую подготовку. В Дальневосточном институте искусств его вели В.А. Гончаренко и Ю.В. Собченко – великолепные живописцы. Полученное образование дало Погребняку, как и другим участникам проекта, широкие возможности для реализации своего таланта.

В начале творческого пути он, как и Сергей Горбачёв, был убеждённым реалистом, писал заказные портреты партийных деятелей, праздничные лозунги. Тем не менее с годами в нём росла неудовлетворённость собственным творчеством, назревал кризис: художник не хотел писать по-старому, а как по-другому – не знал. Казалось бы, один из возможных путей был у него перед глазами – творчество Ю.В. Собченко² (по воспоминаниям В.А. Гончаренко³, Юрий Валентинович выделял Погребняка среди однокурсников). Однако Владимиру Погребняку освоение и поиски своей интерпретации традиций западноевропейского искусства, характерные для его учителя и ряда других приморских авторов, не были близки.
В какой-то мере на него оказали воздействие дети – ученики его жены, Татьяны Погребняк⁴. Искренность, отсутствие позы и радость чистого, выплеснутого с помощью красок чувства, пусть незатейливого, но живого и непосредственного, – к этому отныне будет стремиться и Владимир Николаевич. Пожар в мастерской в 1990 году, к сожалению или к счастью для него, прервал эволюционное развитие его творчества. От раннего периода мало что осталось. Как писал искусствовед В.И. Кандыба, «в огне сгорела одна глава его жизни в искусстве, а после пожара открылась вторая, совсем иная, – с новым по всем параметрам художником Погребняком» [1, с.1]. Суть произошедшей перемены искусствовед видит в переходе к искусству демократичному, доступному пониманию и любви широкого круга зрителей. Сам художник говорит: «Я – насквозь литературный человек. Я ведь пытался быть даже беспредметником-абстракционистом, не говоря о пробах в других «измах». И всё же возвратился к себе, т.е. к «литературе». Очень многое в моей живописи вертится вокруг моей семьи и моих повседневных впечатлений» [там же].

Александр Владимирович Селиванов в 1978 году окончил с красным дипломом живописно-педагогическое отделение Владивостокского художественного училища (преподаватели Ф.Н.
Бабанин и А.К. Жоголева), в 1984-м – художественный факультет Дальневосточного педагогического института искусств (мастерская Н.П. Жоголева). По направлению института работал в Художественном фонде Союза художников СССР (Приморское отделение). С 1984 года – участник художественных выставок, с 1992-го – член Союза художников СССР. Художник-монументалист, с 1987 по 2005 годы – главный оформитель при главном архитекторе Владивостока.

С середины 2000-х Александр Селиванов работает как живописец, преимущественно в жанрах пейзажа и натюрморта. И в этом качестве он уже завоевал уважительное отношение со стороны коллег, искусствоведов и публики. Стиль его пейзажей и натюрмортов близок к метафизическому искусству (Джорджо де Кирико). В реальных, узнаваемых мотивах окрестностей села Андреевка Хасанского района Приморья, визуализированных в его произведениях, присутствует, как выразился литератор и критик Александр Лобычев, «некая метафизическая отстранённость, когда привычный вроде бы ландшафт… воспринимается как пейзаж вообще, красота, преподнесённая нам в своих вечных формах. В этот пейзаж нельзя войти, его можно только созерцать» [4, с. 536].

Валерий Петрович Шапранов известен как художник-абстракционист. Он, как и Сергей Дробноход, работает в основном сериями: «Безграничное число», «Новая реальность»… Для него форма и цвет не нуждаются в предметной мотивировке. «Валерий Шапранов превращается в шамана живописи всякий раз, когда стремительно выливает, выдавливает, разбрызгивает краску на лист или кладёт очередной мазок, повинуясь только импульсу эмоционального напряжения. А в сердцевине его художественной интуиции таится гармония, соединяющая пятно, линию и цвет в единое целое – и живописная поверхность начинает жить, дышать, она меняет тональность и фактуру, движется, как воздух» [4, с. 341].

Композиции своих картин Валерий Шапранов строит как взаимодействие обобщённых образов, рождённых чувствами и переживаниями, не всегда поддающимися анализу, но легко суггестивно считываемыми зрителем. Именно этими переживаниями диктуется выбор в той или иной композиции – либо напряжённых красочных контрастов, либо спокойной палитры, мягкого ритма.

Выставка «Мáстерская живопись» – яркое свидетельство ситуации полистилизма в современном искусстве Приморья. Символизм – лирический у С.Д. Горбачёва и эзотерический у С.В. Дробнохода; абстракционизм – такой разный у А.И. Ионченкова и В.П. Шапранова; иронический примитивизм В.Н. Погребняка, метафизическая живопись А.В. Селиванова – демонстрируют широкий диапазон стилистических предпочтений, вызванных своеобразием мировоззрений, жизненных позиций, социальных взглядов наших творцов – тех, кому дано воспринимать тончайшие импульсы Сознания и Бытия.

Присмотреться бы к их картинам, прислушаться бы к настроениям, не всегда лёгким и позитивным, рождённым этими картинами в наших душах, – может, и удалось бы чуть-чуть изменить что-то к лучшему, чего-то избежать в нашем общем будущем…
С надеждой на что-то подобное 5 декабря 2019 художники и зрители были приглашены на встречу «Три в одном», включающую кураторскую экскурсию, встречу зрителей с экспонентами и обсуждение выставки. Пресс-релиз гласил: «Все будем на равных, все смогут откровенно высказаться: музейщики, галеристы, художники, студенты, волонтёры, зрители. И те, кому понравилась выставка, и те, кто её не принял. В споре рождается истина. Надеемся только, что это будет культурная дискуссия, и мы дадим друг другу высказаться, с одной стороны. И не будем злоупотреблять вниманием аудитории – с другой».

Несмотря на сравнительно небольшое (порядка тридцати человек) число участников, встреча оправдала ожидания организаторов: были и студенты, и волонтёры, и коллеги-художники, и ценители творчества экспонентов. Самое замечательное, что наконец-то все говорили и спорили именно об искусстве, и не очень спешили разойтись после завершения дискуссии, стремясь поделиться друг с другом ещё какой-то важной мыслью.

Ощутимым вещественным результатом проекта стали двенадцать произведений, приобретённых и подаренных участниками выставки в коллекцию Приморской государственной картинной галереи.
Примечания
1. Пырков Александр Александрович (1946–2014) – известный приморский художник, один из основателей и участников группы «Владивосток» (1988).
2. Собченко Юрий Валентинович (1937–2001) – студент первого набора Дальневосточного педагогического института искусств (ДВПИИ – ныне ДВГИИ), затем преподаватель этого института, участник творческой группы «Владивосток», много сделал для распространения в закрытом Владивостоке информации о модернистских течениях в мировом изобразительном искусстве.
3. Гончаренко Вениамин Алексеевич (1929–2013) – один из основателей художественного факультета ДВПИИ (1962), позже ректор, профессор, заслуженный деятель искусств РСФСР.
4. Погребняк Татьяна Михайловна – преподаватель художественного отделения Детской школы искусств № 1 имени Сергея Прокофьева, Владивосток.
Литература
1. Владимир Погребняк. Живопись / авт. вступ. ст. В.И. Кандыба. – Владивосток : ЛИТ, 2004. – 24 с.
2. Левданская, Н.А. Творчество Сергея Горбачева 1980-х – 2000-х годов: Путь к себе // Культура Тихоокеанского побережья : материалы V междунар. научно-практ. конф.– Владивосток : Дальнаука, 2013. – 428 с. С. 281–286.
3. Левданская, Н.А. Изобразительное искусство Владивостока 1960 – 2000-х годов : [вступ. ст.] // Край бунтарей = Rebels at the edge : современное искусство Владивостока, 1960 – 2010-е / Фонд содействия развитию современного искусства «Заря» ; [ред.-сост. Алиса Багдонайте]. – Москва : Майер, 2016. – С. ?–?
4. Лобычев, А.М. Автопортрет с гнездом на голове: Искусство Приморья на рубеже веков / А.М. Лобычев. – Владивосток : Тихоокеанское издательство «Рубеж», 2013. –500 с. – (Серия «Архипелаг ДВ»).
THE MASTER PAINTING SERGEY GORBACHEV. ALEXANDER IONCHENKOV. VLADIMIR POGREBNYAK. ALEXANDER SELIVANOV. SERGEY KHOD (DROBNOKHOD). VLADIMIR SHAPRANOV.
Natalia Andreevna Levdanskaya Сandidate of arts, honored cultural worker of the Russian Federation, deputy director for Research, Primorye State Art Gallery
Abstract: The paper is devoted to the exhibition of six contemporary artists from Vladivostok at the Primorye State Art Gallery: S.D. Gorbachev, S. V. Drobnokhod (Sergey Khod), A. I. Ionchenkov, V. N. Pogrebnyak, A.V. Selivanov and V.P. Shapranov. Concepts and characteristics of each of the exhibitors have been described.

The artists belong to one generation of 1950s-1960s, they appeared on the art scene of the region in the second half of the 1980s – early 1990s, along with the ten or fifteen other artists theywon and now maintain the authority of the Primorye art in Russia and in neighboring countries in the Asia-Pacific region.

Keywords: modern art of Vladivostok; Primorye State Art Gallery; S. D. Gorbachev; S. V. Drobnokhod; A. I. Ionchenkov; V. N. Pogrebnyak; A.V. Selivanov; V. P. Shapranov; «Master Painting"

Библиографическое описание для цитирования:
Левданская Н.А. Мáстерская живопись Сергей Горбачёв. Александр Ионченков. Владимир Погребняк. Александр Селиванов. Сергей Ход (Дробноход). Валерий Шапранов. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 1. – С. 168-175.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle2#rec177587593

Статья поступила в редакцию 10.02.2020
Received: February 10, 2020.
Оцените статью
УДК 72.036
Гуменюк Алла Николаевна – кандидат искусствоведения, профессор, заслуженный работник культуры РФ, почетный член Российской академии художеств, член Союза архитекторов России, Союза художников России, Всероссийской ассоциации искусствоведов. Заведующий кафедрой «Дизайн», Омский государственный технический университет, Институт дизайна, экономики и сервиса.
Омск. РОССИЯ

E-mail: gumenyuk-alla@mail.ru
СОЮЗ ДВАДЦАТИ ОДНОГО
Выставка работ омских архитекторов разных лет
В статье анонсируется выставка работ омских архитекторов разных лет, развернутая 13 февраля этого года в зале Центра «Эрмитаж-Сибирь». Экспозиция знакомит зрителя с идеями архитекторов, работающих в области градостроительства и проектирования общественных и жилых зданий, инженерных сооружений и их реализации. Авторами архитектурных проектов являются члены творческого союза – 21 омский архитектор, представители различных архитектурных школ и разных поколений. Отсюда название выставки «СОЮЗ ДВАДЦАТИ ОДНОГО». Среди участников выставки известные архитекторы Омска – представители современных стилевых направлений – модернизма, постмодернизма, полистилизма.
Ключевые слова: Эрмитаж-Сибирь, Союз архитекторов России, выставка архитектурных проектов.
Архитектура, входящая в триаду свободных пластических искусств – живописи, ваяния и зодчества, всегда была и остается одной из главных составляющих современной культуры. И те, кто, вопреки сложностям профессии, не покидает территорию архитектурного творчества, безусловно, имеют право на собственное «высказывание» и показ проектных работ в музейной экспозиции для профессионалов и широкой публики.

Архитектура проектная и архитектура реальная, архитектура и жизнь – именно это демонстрирует выставка «СОЮЗ ДВАДЦАТИ ОДНОГО», организованная Омским региональным отделением Союза архитекторов России и Омским областным музеем изобразительных искусств имени М. А. Врубеля под эгидой Регионального отделения Урала, Сибири и Дальнего Востока Российской академии художеств.

Большинство работ, представленных на выставке, выполнены для города Омска. Экспозиция знакомит зрителя с идеями архитекторов, работающих в области градостроительства, проектами планировки отдельных городских территорий, проектными решениями инженерных сооружений, жилых и общественных зданий, интерьеров и их реализации.
Авторами архитектурных замыслов и воплощений являются члены творческого союза – 21 омский архитектор, представители различных архитектурных школ и разных поколений. Отсюда ёмкое, плакатно звучащее название выставки «СОЮЗ ДВАДЦАТИ ОДНОГО».

Среди участников выставки известные архитекторы Омска, лауреаты и дипломанты международных и всероссийских конкурсов: градостроители, комплексно решающие функционально-практические и художественно-эстетические задачи; специалисты, работающие над проектами крупнейших инженерных сооружений – мостов и путепроводов; архитекторы – представители стилевых направлений второй половины XX и первых десятилетий XXI века – модернизма, постмодернизма, полистилизма; проектировщики, специализирующиеся в области реставрации и реконструкции памятников культурного наследия. Некоторые из участников выставки уже имеют звания Заслуженного архитектора России и награждены знаком Почетного архитектора России, являются советниками Российской академии архитектуры и строительных наук, профессорами Международной академии архитектуры, много лет проектируют и преподают в высших учебных заведениях архитектурные дисциплины; в экспозиции представлены также проекты молодых архитекторов, у которых есть свои амбиции и собственное видение путей развития современной архитектуры, возможно, через несколько лет и они будут лидировать в своей профессиональной сфере. Наряду с проектами, в экспозиции демонстрируется уже ставший дискуссионным макет перспективного развития Омска, а также издания по истории и теории архитектуры нашего города.
Возвращаясь к названию выставки, интересно заметить, что в соответствии со словарем В. И. Даля, слово «СОЮЗ» означает не только «тесные связи между людьми, условное согласие и товарищество», но и «ЗАВЕТ».

Так какой же завет или торжественный обет могут дать архитекторы себе, своим учителям, городу, стране? Быть на пике современных событий, участвовать в национальных программах по развитию городов, оставаться включенными в современный процесс проектирования (как бы ни пытались профессиональное искусство подменять утилитарным ремеслом) и своим творчеством приоткрывать завесу будущего: каким станет наш мир через 10-20 лет? И, как произнес один из участников выставки «СОЮЗ ДВАДЦАТИ ОДНОГО», «Давайте возьмем архитектуру в свое будущее!»

THE UNION OF TWENTY ONE THE EXHIBITION OF WORKS BY OMSK ARCHITECTS
Alla Nikolaevna Gumenyuk Candidate of arts, Honored member of the Russian Academy of Arts, Professor, Honored Worker of Culture of the Russian Federation, member of the Union of Architects of Russia, member of the Union of Artists of Russia, member of the All-Russian Association of Art Critics, Head of the Department of Design, Omsk State Technical University, Institute of Design, Economics and Service
Abstract: The paper is devoted to the exhibition of works by Omsk architects of different years, which was held in the halls of the Hermitage-Siberia Center. The exhibition acquaints the viewer with the ideas of architects working in the field of urban planning and design of public and residential buildings, engineering structures and their implementation. The authors of architectural projects are the members of the creative Union – 21 Omsk architects, representatives of different generations and different architectural schools, which determined the name – «The union of twenty one». Among the participants of the exhibition are well known architects of Omsk – representatives of contemporary styles – modernism, postmodernism, polystylism.

Keywords: The Hermitage-Siberia; the Union of Architects; the exhibition of architectural projects
Библиографическое описание для цитирования:
Гуменюк А.Н. Союз двадцати одного. Выставка работ омских архитекторов разных лет.
// Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 1. – С. 176-179. [Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle2#rec177587601

Статья поступила в редакцию 26.02.2020.
Received: February 26, 2020.
Оцените статью
УДК 74

Черняева Евгения Николаевна – кандидат искусствоведения (Новокузнецк), Сибирский центр современного искусства «ФОРМА».

Новокузнецк. Россия

E-mail: goreveda@gmail.com

Всероссийская художественная выставка «ЭМАЛЬ РОССИИ»
В КОНТЕКСТЕ ОСНОВНЫХ НАПРАВЛЕНИЙ РАЗВИТИЯ СТАНКОВОЙ ЭМАЛИ
Статья посвящена обзору основных направлений художественных поисков в эмальерном искусстве, представленном на всероссийской выставке «Эмаль России» в Сибирском центре современного искусства (г. Новокузнецк). Выставка рассматривается в контексте современного искусства горячей эмали. Главное внимание уделено анализу экспонировавшихся на выставке работ современных художников-эмальеров из разных регионов России. В выводах статьи отмечается, что масштабные выставки дают наглядную картину актуализации станковых направлений в искусстве художественной эмали.
Ключевые слова: художественная эмаль; станковая эмаль; искусство Сибири; Сибирский центр современного искусства
Горячая эмаль, или финифть, – один из древнейших видов декоративно-прикладного искусства, насчитывает большое количество техник и школ, существующих несколько столетий. История формирования эмальерного искусства проходит через несколько этапов. Самые ранние изделия, по мнению Э. Бреполя, выполненные в технике выемчатой горячей эмали, датируются XVI в. до н.э. [2, с. 26]. Приблизительно с VI в. в Византии получила распространение другая техника эмали – перегородчатая, именно здесь и в таком виде эмаль обретает самостоятельность и особенный стиль. В этом же виде искусство горячей эмали перенимается русскими мастерами в X–XI вв., обретая особенные технические приемы и своеобразное красочное звучание.

Впервые эмальеры преодолевают прикладные формы ювелирного искусства и выходят за его рамки в одном из главных эмальерных центров Европы – французском Лиможе. Здесь, начиная с XV в., художники начинают создавать самостоятельные станковые произведения. В ХХ веке и в европейских эмальерных мастерских, и в СССР искусство эмали развивается до монументальных форм, достигая все большей самостоятельности и все дальше уходя от декоративно-прикладных истоков.

В настоящее время интерес к эмали усиливается. Соприкосновение с этим видом художественного творчества открывает мир безграничных возможностей, выражающихся в разнообразии техник и приемов, обилии традиций и школ, множестве композиционных и колористических решений. Сегодня основными формами существования горячей эмали являются декоративно-прикладные изделия, ювелирные украшения, станковые произведения, декоративные составляющие монументального архитектурного образа. В последние десятилетия также можно отметить выход художников-эмальеров за рамки традиционного тематического круга, что продиктовано особенностями смысловых характеристик постмодернистского искусства. В связи с этим искусствоведами поднимается вопрос об изменении места художественной эмали в видовой структуре искусств. В частности, А. Конченков настаивает на синтетической природе искусства эмали и указывает на возможность особенного места в современной морфологии искусств [3, с. 118].

В 2000-е гг. отечественные эмальерные школы начинают преодолевать постперестроечные кризисные явления, а многие из них к концу первого десятилетия нового века переживают настоящий расцвет.
В частности, петербургская школа горячей эмали занимает лидирующие позиции среди российских региональных центров и становится инициатором проведения множества тематических выставок, а также организатором первой международной биеннале горячей эмали в России. Я. А. Александрова пишет, что в начале 2007 г. инициативной группой педагогов СПГХПА им. А. Л. Штиглица был организован проект «Современная художественная эмаль. Санкт-Петербург», целью которого стала «популяризация искусства художественной эмали, консолидация творческих сил профессиональных искусствоведов и архитекторов, зрителей, ценителей искусства и потенциальных заказчиков вокруг возрождающегося в новом качестве древнего искусства горячей эмали» [1, с. 352].

Большую известность приобрела ростовская школа, возглавляемая заслуженным художником Российской Федерации, профессором Георгием Лиховидом.
Все большую значимость приобретает московская эмальерная школа, представленная Московской художественно-промышленной академией им. С. Г. Строганова.

Интереснейший опыт творческой и образовательной инициативы представляет деятельность Международного творческого центра «Эмалис», образованного в 1992 году художником-монументалистом А. Карих в Ярославле (на базе центра проводятся регулярные симпозиумы по эмали, работает музей).

Можно привести и другие примеры: Школа академика Российской академии художеств Н. Вдовкина, школа С. Андрейко (Иркутск), Л. Зайчиковой (Калуга) и др.

Еще одним шагом в развитии современного эмальерного искусства стали два крупных выставочных проекта 2019 года: триеннале горячей эмали «Мифы и легенды народов мира» в Уфе и художественная выставка «Эмаль России» в Новокузнецке. Такое количество знаковых событий говорит о невероятной актуальности данного вида искусства.

Развивающаяся в «новом качестве» горячая эмаль постепенно выходит за рамки сугубо декоративной формы, осваивая язык смежных станковых видов искусств – живописи, графики, барельефа. Новые технологии, смелость и тяга к экспериментам многих авторов выводят искусство горячей эмали за пределы традиционных форм. Художники экспериментируют с живописностью, подчеркивают графичность, создают рельефную поверхность многократными обжигами и наплывами эмали. Другая тенденция, все чаще звучащая в современном искусстве эмали, – обновленный круг тем и сюжетов через включение традиционного искусства в постмодернистский контекст.

Значительным событием в художественном мире стала выставка «Эмаль России» в Сибирском центре современного искусства «Форма» (г. Новокузнецк). Сам факт включения в экспозиционный план центра современного искусства выставки, посвященной одному из самых древних видов декоративно-прикладного искусства, является достаточно смелым шагом. Претензия на флагманские позиции в мире современного искусства региона, заявленная на открытии выставочной площадки в августе 2019 года, и экспонирование традиционного, веками развивающегося искусства, на первый взгляд плохо сочетается, поскольку представленное искусство нарушает ожидания зрителя: будет либо не современно, либо не традиционно. Однако кураторам проекта удалось выдержать тонкую грань между историческим контекстом и современностью и открыть для широкого круга зрителей «дивный новый мир» современной горячей эмали. В этой ситуации трудно переоценить значение выставки «Эмаль России» для художественной жизни региона: это первое событие такого масштаба в Кемеровской области.
В экспозиции были представлены различные техники эмали (перегородчатая, выемчатая, смешанные), различные эмальерные школы России. Однако наиболее очевидным представляется разнообразие тем. Наиболее ярко представлены несколько направлений художественных поисков: архаика и неоархаика, религиозная тема, живописно-декоративные исследования возможностей материала и постмодернистские эксперименты.

Сама техника с многовековой историей и традициями, уходящими в глубокую древность, предполагает обращение к архаическим сюжетам и мифологической тематике. Таковы работы уфимского эмальера Салавата Гилязетдинова (Уфа) «Сибирь», «Танцы оленей», «Сказание о восьми лунах» и др., когда поверхность уподобляется камню, образы схематичны и силуэтны наподобие петроглифов, изображение включает магические символы. Продолжает тему древнего мифологического искусства Азамат Гилязетдинов (Уфа), например, в работе «Русский Север», представляющей собой композицию из трех крестов, заполненных сакральными символами.
Еще один художник, обращающийся к теме времени, изучающий мифологию и переносящий мифологическое сознание в современность, – Алексей Веселкин (Суздаль). Колорит его работ сдержан, изображения будто проглядывают сквозь временные наслоения, причем это касается не только мифов древних, но и мифотворчества современного («Миф о МИГе» из серии «Мифы современности»).

Наряду с мифологической и архаической тематикой звучит религиозная. Неиссякаемый интерес к ней продиктован традицией бытования эмальерного искусства в религиозных центрах как искусства церковного. Здесь переплетаются яркие сказочные мотивы и чистый иконописный колорит. Такой сказочной яркостью и непосредственностью отличаются произведения Татьяны Гатько (Геленджик). Небольшая пластина «Рождество» очень живописная и декоративная, уподоблена лоскутному одеялу. Работа отличается свежестью трактовки вечной темы.

Близкими по духу и способу трактовки религиозной тематики через сказание являются работы Инны Лемоновой (Екатеринбург) «Пляски с ангелами»,«Иерихонская труба». Пластинки намеренно раздроблены на мелкие составные части, вызывая ассоциацию с собранным из фрагментов сказанием, составленным в мозаику заботливым этнографом.

Достаточно своеобразно и нативно выглядит религиозная тематика в произведениях Анны Сохач (Ростов-на-Дону). Такова «Древнерусская красавица», изображенная на фоне древнего града, служащего своего рода нимбом вокруг ее головы.

Жемчужиной выставки «Эмаль России» стала работа иркутского художника Сергея Андрейко «Умиление». Она представляет собой традиционный иконописный вариант изображения богоматери «Умиление», но обрамленный в меховой оклад, что в свою очередь отсылает нас к работам художников современного сибирского ироничного концептуализма. Традиционная форма иконы в дорогом окладе заменяется иконой в меховом облачении, будто укутанной от сибирских морозов. Такая своеобразная концептуальная нагрузка позволяет художнику удачно балансировать на тонкой грани традиционного религиозного и современного концептуального искусства.

Отметим, что в России эмаль в станковой форме появилась сравнительно недавно, в середине 1980-х гг. (до этого использовалась лишь в ювелирном и декоративно-прикладном искусствах). В современной трактовке эмаль – это картина, написанная стеклянными красками по металлической пластине. Соответственно, значительный потенциал творческих поисков заключается в исследовании живописных и жанровых возможностей данного вида живописи. Многие художники будто пробуют на вкус различные жанровые варианты: пейзаж, декоративный натюрморт, портрет, анималистический жанр и пр. Такие произведения характерны для художников петербургской эмальерной школы и выпускников художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица. Это работы Анастасии Александровой (Санкт-Петербург) и Анвара Багаутдинова (Санкт-Петербург). Пластина «Здание» удивляет своей графичностью, иллюзорностью, ее автор А. Багаутдинов будто заимствует в эмали приемы из графики и скульптурного рельефа, отходя от живописности, но оставаясь в рамках станковой картины.

Лилия Лиховид (Ростов-на-Дону) и Ефросинья Сиротюк (Новокузнецк) создают интересные пейзажи, будто не замечая технических особенностей материала, отдаваясь лишь живописному очарованию эмали.

Еще одной чертой современного состояния эмали как станкового искусства является перенос постмодернистских практик и современных художественных экспериментов в поле деятельности художника-эмальера. И здесь открывается необозримое количество вариантов взаимодействия в триаде «художник – произведение – зритель». Ярким примером такого эксперимента являются произведения Азамата Гилязетдинова (Уфа) «Встреча с Миро» и «Танцы с Миро». Художник как бы отвечает на вопрос: а что было бы, если бы произошла встреча Миро (известного испанского художника, работавшего в направлении абстрактного сюрреализма) с техникой горячей эмали?
Ирония, цитатность, контекстность, символизм, эклектичность, характерные для постмодернистской эстетики, очень органично коррелируют со сложной трудоемкой древней технологией. Такая мозаичность образов и смыслов очень характерна для петербургских художников Анастасии Александровой и Анвара Багаутдинова. «Послеполуденный отдых Пушкина в образе жницы» А. Александровой похож на лоскутное одеяло, сотканное из многочисленных аллюзий и символов, причем такая эклектичность дублируется еще и на уровне техническом, поскольку художник очень органично миксует различные техники. В этом же ключе выполнены работы А. Багаутдинова «Талисман», «Игра в кубики». В них присутствует переплетение прошлого, настоящего и будущего, связь времен, игра символами и образами, тонкое эстетическое чутье.

Несколько особняком стоят работы сибирских художников, работающих в поле современного искусства. Для молодого поколения сибирских художников характерна ироничность, подчеркнутая провинциальная простота и напускная наивность, граничащая с эпатажностью (Алена Залуцкая, Новосибирск).
В заключение отметим, что художественная выставка «Эмали России», прошедшая в Сибирском центре современного искусства, является большим шагом в формировании нового современного восприятия искусства горячей эмали, шагом своеобразного признания выхода за рамки прикладного искусства. Такие выставки размывают грань между традиционным и современным искусством, актуализируя искусство художественной эмали в современном контексте.
Литература
1. Александрова, Я.А. Санкт-Петербургская международная биеннале горячей эмали – катализатор эволюции станковой эмали // Месмахеровские чтения – 2019 : материалы междунар. науч.-практ. конф., 21–22 марта 2019 г. : сб. науч. ст. ; ФГБОУ ВО «Санкт-Петербургcкая государственная художественно-промышленная академия имени А. Л. Штиглица» ; науч. ред. А. О. Котломанов. – Санкт-Петербург : СПГХПА им. А. Л. Штиглица, 2019. – С. 352–357.
2. Бреполь, Э. Художественное эмалирование / Э. Бреполь. – Ленинград : Машиностроение, 1986. – 127 с.
3. Конченков, А. С. Место художественной эмали в морфологии искусств // Инновации в социокультурном пространстве : материалы VIII международной научно-практической конференции. – Благовещенск: Амурский государственный университет, 2015. – С. 118–120.
ALL-RUSSIAN ART EXHIBITION «ENAMEL OF RUSSIA» IN THE CONTEXT OF THE MAIN DIRECTIONS OF EASEL ENAMEL'S DEVELOPMENT
Evgenia Nikolaevna Chernyaeva Candidate of atrs (Novokuznetsk), the Siberian Center of Modern Art"Forma"
Abstract: The paper is devoted to the review of the main directions of artistic searches in enamel art, presented at the all-Russian exhibition «Enamel of Russia» in the Siberian Center of Modern Art (Novokuznetsk). The exhibition has been considered in the context of contemporary hot enamel art. The main attention has been paid to the analysis of the works of contemporary enamel artists from different regions of Russia which were exhibited there. The conclusions of the paper note that large-scale exhibitions give a clear picture of the actualization of easel trends in the art of artistic enamel.

Keywords: artistic enamel; easel enamel; Siberian art; Siberian Center of Modern Art.
Библиографическое описание для цитирования:
Черняева Е.Н. Всероссийская художественная выставка «Эмаль России» в контексте основных направлений развития станковой эмали. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 1. – С. 180-187.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle2#rec177587612

Статья поступила в редакцию 25.02.2020
Received: February 25, 2020.
Оцените статью
УДК 7.03
Петухов Владимир Владимирович – заместитель директора Приморской государственной картинной галереи по научно-просветительской работе, кандидат искусствоведения, доцент, Член общероссийской общественной организации «Ассоциация искусствоведов России» («АИС»).
Владивосток. россия

E-mail: vlad_arts@mail.ru
ГОСУДАРИ И ГОСУДАРЫНИ – венценосные покровители искусств.
К 300-летию образования Российской империи
В преддверии двух важнейших юбилейных дат отечественной истории – 300-летия образования Российской империи (2021 год) и 350-летия со дня рождения Петра Великого (2022 год) – Приморская государственная картинная галерея подготовила выставочный проект «Государи и государыни – венценосные покровители искусств. К 300-летию образования Российской империи».
Новый масштабный межрегиональный проект подготовлен в содружестве шести музеев России. Государственный исторический музей уже не в первый раз откликается на просьбу о сотрудничестве. Государственный Русский музей, тоже давний партнёр, предоставил для выставки 23 произведения. Впервые 15 предметов прибыли из Научно-исследовательского музея при Российской академии художеств.
Участниками проекта, кроме Приморской государственной картинной галереи, стали также Дальневосточный художественный музей (Хабаровск) и Иркутский областной художественный музей им. В.П. Сукачева. Всего 49 произведений живописи, графики, архитектурных макетов, мебели, объединённых общей темой, экспонировались в Парадном зале галереи с 19 декабря 2019 года по март 2020.
Ключевые слова: искусство Российской империи, русское искусство, русские художники, Приморская государственная картинная галерея
О большой значимости события в культурной жизни дальневосточной столицы говорил на вернисаже губернатор Приморского Олег Николаевич Кожемяко. Благодарность администрации края и лично О.Н. Кожемяко выразила директор Приморской картинной галереи Алёна Алексеевна Даценко: такой высокозатратный проект был бы невозможен без финансовой поддержки. Она была оказана, и теперь жители Владивостока и гости города имеют
уникальную возможность познакомиться с шедеврами изобразительного искусства из других городов страны, а также при помощи своеобразной художественной летописи вспомнить славные страницы истории России и развития отечественного искусства или, возможно, восполнить недостающие знания.

К выставке «Государи и государыни – венценосные покровители искусств. К 300-летию образования Российской империи» выпущен каталог, вступительные статьи подготовлены Г.Н. Голдовским, Е.А. Савиной и В.В. Петуховым.
В залах экспозиции показано поэтапное развитие русского искусства, характеризующее эпоху правления каждого из русских императоров. Вкусы и предпочтения представителей императорской фамилии оказывали огромное влияние на характер русского изобразительного искусства и архитектуры начиная от императора Петра I Великого до Николая II.

Первая, и она же центральная, тема выставки – императорский портрет. В экспозиции представлены портреты всех правивших русских императоров и императриц, сменявших друг друга на русском троне. В 1721 году был введен новый титул Императора Всероссийского, просуществовавший до гибели монархии в 1917 году.
Второе смысловое направление выставки – начавшаяся в 1703 году эпоха в русском искусстве, связанная с основанием на берегах Невы новой столицы Санкт-Петербурга и формирующейся здесь новой, утонченной придворной культурой. Прославление Санкт-Петербурга стало важнейшим направлением русского искусства и прежде всего пейзажной живописи.

Имперская столица на берегах Невы показана на выставке редчайшими деревянными проектными макетами ряда знаменитых петербургских построек (Инженерный замок, Александровская колонна и др.), которые впервые в их истории отправились в путешествие вне обеих столиц. Дополнением темы стали городские пейзажи Ф. Алексеева, старинные акварели и рисунки, на которых предстают петербургские архитектурные ансамбли, дворцовые интерьеры, невские акватории.

Среди всех показанных на выставке венценосных особ значительное место принадлежит четырем государям, внесшим наиболее весомый вклад в историю русского искусства.
Эпоха царствования создателя империи Петра I Великого явилась переломной в истории государства. Ушла в прошлое Древняя Русь. Россия вступала в эпоху великих преобразований. Пожалуй, невозможно отыскать такую сферу, которая не претерпела бы изменений, вызванных кипучей энергией деятельного монарха.

Знакомство с европейским искусством проходило несколькими известными путями: иностранные мастера приглашались на работу в Россию, произведения европейского искусства приобретались и привозились из-за рубежа, а наиболее талантливая отечественная молодежь отправлялась обучаться в европейские страны.

На выставке представлен целый ряд портретов работавших при русском дворе иностранных художников: «Портрет Петра I» Л. Каравака, «Портрет царевича Алексея Петровича» И. -Г. Таннауэра и др.

Петровская эпоха – время рождения русской гравюры. Это самый оперативный вид искусства, быстро откликавшийся на все наиболее значимые события времени и пользовавшийся особым успехом. Лицо русской графики первой трети XVIII века определил один из знаменитых братьев Зубовых – Алексей, представленный на выставке гравюрой «Пётр Великий, Отец Отечества».

В эпоху царствования Екатерины II Великой были достигнуты выдающиеся успехи в искусстве. Сама государыня стала тонким ценителем прекрасного, ею создана коллекция Эрмитажа. С приходом Екатерины к власти в архитектуре изменился стиль: на смену вычурному барокко пришел строгий, стройный классицизм. Началась стремительная перестройка Петербурга.

Блистательный расцвет переживает изобразительное искусство, россыпь драгоценных полотен Ф. Рокотова, Д. Левицкого, А. Лосенко (незадолго до открытия закончилась длительная реставрация представленного полотна А. Лосенко «Каин», которое вошло в нашу экспозицию) ярко характеризует славный екатерининский век. В 1764 году Высочайшим указом была создана Императорская Академия художеств. В разное время в академии учились такие выдающиеся живописцы, как А. Иванов, К. Брюллов, И. Айвазовский, А. Корзухин, В. и К. Маковские, И. Шишкин, И. Репин, архитекторы К. Росси, Ал. Бенуа, и многие другие. Вплоть до начала ХХ века академия была единственным в России высшим художественным учебным заведением.

Эпоха царствования внука Екатерины II Николая I стала золотым веком русской культуры. При Николае I окончательно сформировался известный всему миру строгий классицистический облик Петербурга. О. Монферран воздвиг Александровскую колонну на Дворцовой площади (деревянный макет колонны, выполненный резчиком по дереву М. Салиным в 1830-е годы). С возведением по проектам К. Росси зданий Сената и Синода, Александринского театра, Михайловского дворца (ныне Русский музей), Главного штаба классицизм достиг своей вершины. При Николае Павловиче творили прославленные художники классической школы: К. Брюллов, А. Иванов, И. Айвазовский. Работали приглашенные иностранные мастера, среди которых Джордж Доу, создавший портреты Военной галереи 1812 года в Зимнем дворце.

Эпоха последнего русского императора Николая II – это блистательный расцвет искусства серебряного века и титанов русской национальной живописи. По количеству великих национальных художников время царствования Николая II не знает себе равных в русской истории. Николай Александрович основал первый государственный музей национального русского искусства – Музей императора Александра III (Русский музей) в Санкт-Петербурге. О художественном вкусе последнего русского императора говорит монументальный пейзаж кисти Ивана Шишкина «Сосновый лес» из его личного собрания,
украшавший биллиардную комнату в покоях государя в Зимнем дворце.

Масштабная выставка даёт уникальную возможность гостям столицы Российского Дальнего Востока увидеть на берегах Тихого океана блестящую эпоху царствования императорской династии Романовых, узнать о её влиянии на развитие видов и жанров русского искусства, судьбы художников и их произведений.
SOVEREIGNS AND EMPRESSES – CROWNED PATRONS OF THE ARTS. TO THE 300TH ANNIVERSARY OF THE FORMATION OF THE RUSSIAN EMPIRE
Vladimir Vladimirovich Petukhov Deputy director of the Primorye State Art Gallery for scientific and educational work, candidate of arts, associate professor, member of the Association of art critics of Russia
Abstract: One the eve of the 300th anniversary of the formation of the Russian Empire (2021) the Primorye State Art Gallery prepared an exhibition project «Sovereigns and Empresses – crowned patrons of the arts. To the 300th anniversary of the formation of the Russian Empire». The six largest museums in Russia participated in the project: the State Russian Museum (St. Petersburg), the Scientificresearch Museum of the Russian Academy of Fine Arts (St. Petersburg), the State Historical Museum (Moscow), the Primorye State Art Gallery (Vladivostok), the Far Eastern Art Museum (Khabarovsk) and the Irkutsk Regional Art Museum. The large-scale exposition shows two centuries of the imperial period of the Romanov dynasty on the example of the works of famous Russian artists. It tells about the influence of the Russian monarchs' artistic tastes on the formation and development of Russian fine art and architecture. The portraits of all the Russian emperors, made in oilpainting, watercolor or graphic technic, are exhibited. The exhibition consists of forty-nine objects, including architectural graphics, original author's wooden design models of several famous St. Petersburg buildings.

Keywords: art of the Russian Empire; Russian art; Russian artists; art exhibition; Primorye State Art Gallery
Библиографическое описание для цитирования:
Петухов В.В. Государи и государыни – венценосные покровители искусств. К 300-летию образования Российской империи. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 1. – С. 188-191.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle2#rec177587622

Статья поступила в редакцию 03.03.2020
Received: March 03, 2020.
Оцените статью
УДК 730
Сысоева Наталья Сергеевна – искусствовед, директор Иркутского областного художественного музея им. В. П. Сукачёва, председатель Иркутского регионального отделения Всероссийской творческой общественной организации «Союз художников России», член Общественной палаты Иркутской области.
Иркутск. россия

E-mail: iohm.irkutsk@yandex.ru
ДАШИ НАМДАКОВ. ИРКУТСК. ТРАДИЦИИ. МЕЦЕНАТЫ
Статья посвящена проекту, приуроченному к 20-летию первой персональной выставки Даши Намдакова. Экспозиция включает работы Намдакова и бурятских художников. Проект организован Иркутским художественным музеем и Фондом поддержки и развития культуры на территории города Иркутска, включает работы из собраний коллекционеров и галеристов.
Ключевые слова: Иркутск; Даши Намдаков; бурятские художники; коллекционеры; Иркутский областной художественный музей им. В. П. Сукачёва
В самом названии выставки заключается емкая расшифровка ее концепции.

Иркутск. В 2000 году в Иркутском областном художественном музее состоялась первая персональная выставка скульптуры и графики молодого художника из Бурятии Дашинимы Намдакова, мало известного на тот момент профессиональному сообществу и широкой зрительской аудитории выпускника Красноярского государственного художественного института. Инициатором выставки стала Надежда Петровна Комарова – искусствовед, занимающийся продвижением бурятских художников на иркутском арт-рынке. Иркутское региональное отделение «Союз художников России» во главе с академиком РАХ Анатолием Ивановичем Алексеевым поддержали молодого автора из Бурятии, предоставив ему художественную мастерскую в Иркутске. Благодаря этому Даши получил возможность воплощать свои идеи в материале и через год был принят в состав Иркутского регионального отделения ВТОО «Союз художников России». Именно в Иркутске начался большой творческий путь талантливого скульптора.
Традиции. На протяжении многих десятилетий развивались и крепли культурные связи между музеями, творческими союзами, художниками Бурятии и Иркутска. Творческое наследие бурятских мастеров ХХ столетия разнообразно представлено в коллекции иркутского художественного музея и составляет более 200 единиц хранения. Эта коллекция расширяет представление о национальном своеобразии бурятского искусства, в котором преобладает традиционное мировоззрение, отражающее тесную связь творчества художников с историческими и культурными корнями. Чтобы в полном объеме показать особенности современного бурятского искусства, в экспозицию были включены работы известных скульпторов из Улан-Удэ Дмитрия Будажабэ, Петра Гармаева и Гэсэра Зодбоева.

Меценаты. Миссия частных коллекционеров, как и государственных музеев, занимающихся собирательством, хранением, экспонированием произведений искусства, в том, чтобы включать в единое поле культуры лучшие произведения современного искусства. Иркутские меценаты первыми приняли искусство Даши Намдакова. Спустя 20 лет после персональной выставки в Иркутском областном художественном музее Иркутск обладает внушительным собранием произведений мастера, большинство из которых приобретено частными собирателями и галеристами. Успех выставки Даши в феврале 2000 года привлек внимание коллекционеров к национальной и современной бурятской скульптуре. Галереи Иркутска – «Палитра» Лины Ермонтович, Галерея Виктора Бронштейна – стали формировать художественные собрания мастеров из Бурятии, что повлияло на развитие бронзолитейного дела. У собирателей усилился интерес к именам мастеров искусства соседней республики, привнесших в общую художественную картину региона новые стилистику и содержание.

Сотрудничество с коллекционерами, меценатами и галеристами при подготовке выставок стало для областного художественного музея доброй традицией. Благодаря Фонду поддержки и развития культуры на территории города Иркутска и лично Ларисе Иннокентьевне Забродской, почетному гражданину Иркутской области, к открытию выставки был издан каталог.

Даши Намдаков. Сегодня является признанным мастером, одним из известнейших скульпторов и художников современности. Творчество Даши Намдакова, получившее мировую известность, тесно связано с культурой Байкальского региона. Автор воплощает идеи в скульптуре, графике, монументальном и ювелирном искусстве. Ему принадлежат многочисленные ландшафтные скульптурные композиции, установленные в Тыве, Казахстане, Татарстане, Кемеровской, Иркутской области и Красноярском крае. Произведения художника вошли в коллекции Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея.

Сегодня Даши Намдаков является членом-корреспондентом Российской академии художеств, почетным членом Академии Флоренции, народным художником Бурятии, лауреатом премии Правительства России в области искусства.

Выставка-проект «Даши Намдаков. Иркутск. Традиции. Меценаты» стала значимым культурным событием в мероприятиях, посвященных 150-летию Иркутского художественного музея. Нынешняя выставка – это попытка реконструкции первой экспозиции Даши Намдакова в Иркутске. Проект осуществлен благодаря энергии знатоков-собирателей, которые предоставили более 70 произведений из своих коллекций, что акцентирует внимание на социокультурном феномене частного коллекционирования.
DASHI NAMDAKOV. IRKUTSK. TRADITIONS. MAECENASES
Natalya Sergeevna Sysoeva Art critic, Director of the Irkutsk Regional Art Museum named after V. P. Sukachev, chairman of the Irkutsk Regional Branch of the Russian creative public organization «Union of Artists of Russia», member of the Public chamber of the Irkutsk region
Abstract: The paper is devoted to the project dedicated to the 20th anniversary of Dashi Namdakov's first personal exhibition. The exhibition includes the works by Namdakov and other Buryat artists. The project is organized by the Irkutsk Art Museum and the Foundation for the support and development of culture in Irkutsk city. It includes works from the privet and gallery collections.

Keywords: Dashi Namdakov; Buryat artists; collectors; Irkutsk Regional Art Museum named after V. P. Sukachev
Библиографическое описание для цитирования:
Сысоева Н.С. Даши Намдаков. Иркутск. Традиции. Меценаты. // Изобразительное искусство Урала, Сибири и Дальнего Востока. – 2020. – № 1. – С. 192-195.
[Электронный ресурс] URL: http://usdvart.ru/sectionchronicle2#rec181701739

Статья поступила в редакцию 03.03.2020
Received: March 03, 2020.
Оцените статью